Las adaptaciones cinematográficas de "Cumbres borrascosas"

Querido primo Teo:

Emerald Fennell ha adaptado "Cumbres borrascosas", y conviene enfatizar las comillas porque su aproximación deja claro que ha llevado la obra a su propio territorio creativo. Si algo ha caracterizado a las múltiples versiones cinematográficas de la novela es, precisamente, su escasa fidelidad literal a lo concebido por Emily Brontë. Desde su publicación en 1847, la novela ha desconcertado por igual a lectores y cineastas. No es un relato romántico convencional, sino una historia de obsesión, violencia emocional, jerarquías sociales y transmisión del trauma. Más que un canto al amor imposible, es una exploración perturbadora de la posesión, el resentimiento y la herencia del dolor. Cada traslación a la gran pantalla revela menos de lo que contó Brontë que aquello que cada época ha estado dispuesta, o ha necesitado, soportar. 

A través de las versiones realizadas por William Wyler, Luis Buñuel, Peter Kosminsky y Andrea Arnold, puede trazarse una evolución reveladora: del melodrama elegante y moralizado al naturalismo descarnado y físico. Cada adaptación no solo interpreta la novela; también dialoga con su tiempo, reescribiendo a Heathcliff y Catherine según las sensibilidades, límites y obsesiones de su contexto histórico.

La versión más reconocida de "Cumbres borrascosas" es la dirigida por William Wyler en 1939. Es, probablemente, la responsable de que varias generaciones de lectores hayan interpretado la novela de Emily Brontë como una gran historia de amor trágico. Allí donde el texto original resulta áspero, violento y moralmente inquietante, Wyler traza una línea emocional más depurada y clásica, situando el centro del relato en la pasión imposible entre Catherine y Heathcliff.

Con Laurence Olivier en el papel de Heathcliff, el personaje abandona parte de su naturaleza destructiva para convertirse en un héroe oscuro de estirpe romántica: apasionado, orgulloso, herido, pero esencialmente noble en su sufrimiento. Su tormento se estiliza; su rabia adquiere una dimensión trágica antes que salvaje. La violencia interior se transforma en fatalidad amorosa.

La película, que obtuvo 8 nominaciones al Oscar, deslumbra por su impecable fotografía en blanco y negro, galardonada con la estatuilla para Gregg Toland. El director de fotografía construyó una atmósfera gótica de enorme potencia visual, donde los contrastes de luz y sombra subrayan la intensidad emocional del relato.

A ello se suma la fuerza interpretativa, especialmente la de Olivier y Merle Oberon, capaces de sostener un conflicto amoroso de gran densidad dramática. Wyler articula la tragedia con claridad narrativa: el amor imposible, las convenciones sociales y el orgullo herido se presentan de manera directa, sin ambigüedades estructurales.

Sin embargo, se trata de una adaptación parcial. La película se limita al primer tramo de la historia y elimina la compleja arquitectura circular ideada por Brontë con la segunda generación, reduciendo una saga de venganza y repetición a un melodrama romántico concentrado. Además, el Heathcliff fílmico aparece suavizado: pierde parte de su cualidad perturbadora y de su dimensión casi amoral. De figura incómoda, cruel y tóxica, capaz de llevar la violencia emocional a extremos insoportables, pasa a convertirse en un amante trágico moldeado según la sensibilidad del Hollywood clásico.

Con "Abismos de pasión" (1954) Luis Buñuel no se propuso adaptar fielmente la novela de Emily Brontë, sino reinterpretarla desde sus propias obsesiones creativas. Trasladó la acción a México y despojó la historia de su entramado generacional para concentrarla en un núcleo ardiente de deseo enfermizo. Más que una historia de amor, la película se convierte en un estudio de la pulsión destructiva, en una exploración descarnada de la imposibilidad de amar sin herir.

Buñuel prescinde del romanticismo y se adentra sin concesiones en el territorio de la obsesión. El vínculo entre los protagonistas no es sublime ni redentor, sino patológico, casi febril. La pasión no ennoblece: devora.

En este sentido, el cineasta aragonés conecta con la dimensión más violenta y perturbadora del texto de Brontë: el deseo que se confunde con posesión y la identidad que solo parece afirmarse en la destrucción del otro.

No obstante, la película comparte una limitación estructural con la versión de Wyler: también prescinde de la segunda generación y simplifica la compleja arquitectura narrativa de la novela. Asimismo, el mundo social que rodea a los personajes queda reducido, subordinado a la intensidad del conflicto central. La saga se transforma así en un relato más lineal y compacto, donde la densidad psicológica prevalece sobre la amplitud estructural.

Peter Kosminsky dirigió probablemente en 1992 la versión más fiel a la concepción estructural y moral de Emily Brontë. La película contó con un Ralph Fiennes que difícilmente habría imaginado convertirse en fantasía sexual de más de una autora de novela romántica, en abierta competencia con el magnetismo animal que irradiaba el melenudo Daniel Day-Lewis en "El último mohicano". Junto a él, Juliette Binoche confirma que es una de las actrices más exquisitas que ha dado la gran pantalla.

Frente a lecturas más románticas o más libres, esta adaptación apuesta por una aproximación marcadamente literaria. Kosminsky intenta incorporar elementos de la segunda parte del libro, restituyendo la dimensión cíclica de la historia y esa sensación de herencia emocional que atraviesa generaciones.

El Heathcliff de Fiennes recupera buena parte de la ambigüedad moral del personaje. No es solo un amante herido ni un villano unidimensional: es una figura compleja, capaz de suscitar compasión y rechazo simultáneamente. Su interpretación enfatiza esa oscilación constante entre vulnerabilidad y crueldad, entre deseo de pertenencia y voluntad de destrucción.

Por su parte, la Catherine de Binoche es quizá la más contradictoria de todas las versiones cinematográficas. No aparece únicamente como víctima de las convenciones sociales, sino también como cómplice de su propio desastre: caprichosa, apasionada, desgarrada entre deseo y ambición. Esta mayor densidad psicológica acerca la película al tono incómodo y turbulento del texto original.

Aunque su puesta en escena resulte más convencional que las propuestas de Wyler o Buñuel, la "Cumbres borrascosas" que dejó la década de los noventa puede considerarse la adaptación más equilibrada: literaria, sobria y respetuosa, atenta a la complejidad narrativa y moral de la novela sin renunciar a la intensidad dramática.

Andrea Arnold ofreció, sin duda, en 2011 la versión más rupturista de todas. Rodada con cámara en mano y con una estética cercana al documental, la película elimina casi por completo la dimensión romántica que el cine clásico había privilegiado y apuesta por una experiencia sensorial directa, física, casi táctil.

Aquí no hay exaltación melodramática ni sublimación de la pasión. Arnold desmonta la lectura sentimental y devuelve la historia concebida por Emily Brontë al sustrato más áspero: cuerpos expuestos al frío, al barro y al viento; miradas que contienen más violencia que palabras; una naturaleza que no acompaña, sino que hostiga.

Uno de los gestos más significativos es la raza de Heathcliff. Al subrayar su condición mestiza, Arnold introduce de forma explícita la dimensión de exclusión social y de clase que late en la novela, pero que pocas versiones habían abordado con tanta frontalidad. Heathcliff deja de ser únicamente un extraño temperamental para convertirse en un cuerpo marcado por la diferencia, objeto de violencia estructural y marginación.

La violencia emocional aparece sin embellecimiento. No hay música que amortigüe el impacto ni encuadres que idealicen el sufrimiento. La relación entre Catherine y Heathcliff es cruda, incómoda, a menudo brutal. El amor no se proclama: se manifiesta en gestos abruptos, en silencios tensos, en estallidos físicos.

Esa radicalidad, sin embargo, implica renuncias. La escasez de diálogo y de psicología explícita puede dificultar la identificación con los personajes. Arnold suprime explicaciones y motivaciones verbales, confiando casi por completo en la textura visual y sonora para transmitir emociones.

Para algunos espectadores, la película puede resultar distante o excesivamente áspera. Esta "Cumbres borrascosas" es menos melodrama y más experiencia física: una inmersión en la intemperie emocional donde amar no es un gesto sublime, sino un acto primitivo y desgarrado.

"Cumbres borrascosas" de Emily Brontë resiste cualquier intento de domesticación. Cada adaptación cinematográfica ilumina un ángulo distinto del texto: el mito romántico, la obsesión enfermiza, la tragedia literaria o la violencia primitiva que late bajo la superficie de la pasión.

Quizá la mayor fidelidad a Brontë no consista en reproducir la trama con exactitud, sino en preservar su incomodidad esencial. La novela no busca consolar ni reconciliar, sino perturbar. En ese sentido, cuanto más se alejan las versiones del romanticismo convencional y de la tentación de embellecer el conflicto, más cerca parecen situarse del espíritu indómito, amoral y turbulento que definen la obra. 

Mary Carmen Rodríguez