Cannes 2015: La juventud de Sorrentino, el sicario de Villeneuve, vibrante Historia reciente de China y un incesto condenado

Cannes 2015: La juventud de Sorrentino, el sicario de Villeneuve, vibrante Historia reciente de China y un incesto condenado

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Querido Teo:

Seguimos viendo cine en Cannes 2015 y entre colas, con un calor que se mete en la totina mientras soplan aires traicioneros que garantizan más de un constipado, siguen mostrándose las apuestas de nombres consagrados, sorprendentes revelaciones y, como no, decepciones que haberlas haylas en una edición en la que no es oro todo lo que reluce. En estas últimas horas se ha confirmado la consagración del cine italiano este año, la interesante y más comercial nueva cinta de Denis Villeneuve, la anacrónica “Marguerite & Julien” que es una concesión más al cine francés siempre presente o la auténtica revelación que es “Shan he gu ren (Mountains may depart)” de Jia Zhang-ke que va ganando peso en nuestra mente según pasan las horas.

Listón más que alto el que tenía Paolo Sorrentino con “Youth”, o “La giovinezza” en su sensual título italiano, y es que después de ganar el Oscar con la barroca y profunda “La gran belleza”, ahora podía intentar ir a lo fácil repitiendo la jugada como parecía amenazar un trailer en el que Michael Caine indudablemente evocaba a Toni Servillo. Vista la cinta las referencias a la anterior película del director son bastante  limitadas y se nos presenta a un personaje heredero de cualquiera de los interpretados por Marcello Mastroianni en su madurez. Ya en la primera escena se reconoce el inconfundible estilo pictórico de Sorrentino que saca belleza desde cualquier atisbo de fealdad y encontramos a un Michael Caine como compositor y director de orquesta retirado en un complejo residencial de Los Alpes que intenta ser convencido por un colaborador de Buckingham Palace para que de un concierto homenaje a la monarca. Sin contar gran cosa, la cinta tampoco se adentra en la vejez como sería lo fácil pensar teniendo en el reparto a Michael Caine, Harvey Keitel y Jane Fonda en el reparto, sino en una mirada retrospectiva a las oportunidades perdidas, a los sueños que fueron cumplidos y a la nostalgia por la vigorosidad que no volverá, y es que la edad de los protagonistas es algo totalmente relativo ya que en este mismo microcosmos en el que los personajes expían su pasado para intentar seguir hacia adelante encontramos a la hija del protagonista (una Rachel Weisz que centrada en su labor como asistente personal de su padre no ha comenzado a vivir todavía su propia vida), un actor de método algo hippy que se prepara para su arriesgado próximo papel intentado dar un giro necesario a una carrera encasillada (un genial Paul Dano), una Miss Mundo destetada o al mismísimo Maradona, entre masajes, baños termales y golpes de balón al infinito mientras sigue anclado en unos tiempos que nunca volverán. La cinta no encierra la complejidad ni formal ni reflexiva del oscarizado título de Sorrentino, pero nos hechiza por su elegancia, narración y sencillez sacando todo el partido a un entorno y a un quinteto de personajes completado por un Harvey Keitel, director de cine cómplice del compositor con claras referencias fellinianas, que no se resiste a admitir que su talento ya se ha difuminado y sus nuevas películas no interesan a nadie, y que no tenía un papel tan agradecido en años, y Jane Fonda en una escena en la que actúa como lo que es, toda una leyenda diva. Sin despertar la unanimidad desatada por “La gran belleza” (que a algunos nos parece sobrevalorada), Sorrentino ha vuelto a acertar con una película mucho menos arriesgada pero con el mismo calado sobre la condición humana pero bañándola de más ternura, humor, positividad y redención que la crespuscular y decadente cinta protagonizada por Servillo. Desde luego, Michael Caine resuelve el papel de Fred Ballinger con una maestría esperable, teniendo su personaje una hondura personal que le impide volver a interpretar sus obras, y se convierte en uno de los favoritos a mejor actor, además de ser la cinta un vehículo de lucimiento para la próxima carrera de premios, al mantener el estilo característico del director pero también dotándole de un aire mucho más universal y accesible para esta misión ambientada en este caso en un hotel, un complejo que está dando mucho juego en esta edición a la hora de sacar partido a los personajes y preguntarnos sobre nosotros mismos ya que también era el escenario de “The lobster”.

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Primera presencia en competición para la Palma de Oro de Denis Villeneuve, tras convertirse junto a Xavier Dolan y Jean-Marc Vallée en la gran revelación del cine canadiense reciente. Tras la estupenda “Incendies”, la magistral “Prisioneros” y la subyugante “Enemy”, Villeneuve apuesta por un tono mucho más comercial en una propuesta como “Sicario” con el empaque y aspereza del cine de Michael Mann y con ciertas referencias a “Traffic” o “La noche más oscura”. La primera por la trama y la segunda por tener como protagonista a una mujer fuerte, guapa y determinada que se aprieta los machos para alcanzar el éxito de la misión cueste lo que cueste a pesar de meterse en terrenos pantanosos. Emily Blunt resuelve con sobriedad el papel de una agente del FBI que lidera la captura del cabecilla de un cártel de la droga mexicano acompañada por un agente del FBI (Josh Brolin) y un mercenario (Benicio del Toro) que construyen sus personajes con una facilidad pasmosa. La cinta indaga en la política exterior USA en su relación fronteriza con México y no llega a ser el mejor trabajo del director, primero porque no es un proyecto que destaque su originalidad ya que la historia está trillada, y segundo porque la segunda parte termina decayendo en interés en vez de ir de menos a más. Lo que sí que deja es un impecable trabajo de dirección de fotografía de Roger Deakins que, una vez más, pega un repaso en este campo a sus compañeros de profesión con secuencias visualmente poderosas y con su inconfundible sello.

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“Shan he gu ren” (“Mountains may depart” en su título internacional) es lo nuevo del director Jiang Zhang-ke, el de “Naturaleza muerta” o “Un toque de violencia”. En su cuarto intento por la Palma de Oro (ganó en 2013 el premio al mejor guión por “Un toque de violencia”) presenta una película tan deslavazada como fascinante, tan inusual como apetecible, tan alocada como sobria. Y es que nos podríamos creer que la película acababa de terminar de ser montada esa misma mañana por dos motivos. Primero el hecho de que la proyección tuviera que pararse dos veces para corregir los subtítulos al inicio (lo que nos ha hecho disfrutar por duplicado de su enérgico comienzo) y segundo para corregir el color que se puso en un rojo comunista que generó algunos comentarios. La cinta, aunque es muy complicado saber de qué va, se desarrolla en tres actos. El primero el inicio del flirteo de una pareja en 1999 con la protagonista debatiéndose entre dos amores, el segundo cuando ya separados tienen que repartirse a su hijo pequeño en 2014 y el tercero cuando este ya es un veinteañero en 2025 que vive completamente integrado en la cultura USA, a pesar de que convive con su padre y mantienen una comunicación nula apoyada en idiomas distintos, no viendo a su madre desde que tenía siete años. Su relación con una profesora le ayudará a que su mente saque a la luz todos esos hechos olvidados y vaya en busca de lo que realmente es. Y es que la cinta ofrece un acertado retrato sobre la evolución de China en las últimas décadas, apoyada en dos facciones generacionales que van desde la tradición más extrema hasta lo que lleva a huir de todo y borrar las raíces del pasado con el fin de amoldarse al estilo de vida puramente capitalista representado por USA. Una película imperfecta pero viva, tierna, emotiva y profundamente didáctica tanto a la hora de explorar nuestros miedos y descubrir lo que somos como conocer a un tipo de sociedad que el cine ha llegado incluso a hacerla caer en el estereotipo continuo. Con un inicio impagable, y un bellísimo plano final, todo con la acertada selección del Go West de Pet Shop Boys que se nos ha pegado a todos y que ha provocado que la sala casi se pusiera en pie. La cinta bien podría estar en el palmarés en categorías importantes, entre ellas las de mejor actriz para una entrañable Tao Zhao como madre sufrida sobre la que vamos pasar el tiempo, tanto desde la inocencia de la juventud hasta la sobriedad de la resignación pero siempre manteniendo su espíritu representado en esa canción.

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También se ha visto en sección oficial “Marguerite et Julien” de Valérie Donzelli que fue un proyecto que en su momento estuvo en la mente de François Truffaut. La directora conocida en nuestro país por “Declaración de guerra” ha vuelto a contar con su ex pareja Jérémie Elkaïm y con Anaïs Demoustier para representar esta incestuosa historia de amor ambientada en el siglo XVII, cine de época pero con un gran número de anacronismos como vemos en armas, ropajes e incluso en un helicoptero que la convierten en un proyecto arriesgado que le aproxima al “Romeo + Julieta” de Baz Luhrmann y que, en ocasiones, roza lo involuntariamente cómico. El problema de la película es su escaso ritmo, el trasiego de personajes que no ayudan a vertebrar la historia y en que tampoco quede patente especialmente que es lo que realmente se pretende contar con una cinta que cuando coge alas es demasiado tarde, el momento en el que se narra la persecución y captura de una pareja que no puede vivir sin amarse, hecho que a pesar de ello su familia y sociedad no va a tolerar.

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"Marguerite And Julien" Photocall - The 68th Annual Cannes Film Festival

Alejándonos de la sección oficial pasamos a Una cierta mirada” en la que hemos vivido nuestra segunda deserción. “Madonna” de Shin Su-won pasa junto al “Arabian nights” de Miguel Gomes a tener este honor. Una cinta sobre la prostitución asfixiante y terrible en todos los aspectos. “Alías María” de José Luis Rugeles Gracia podría haber ido por el mismo camino, una historia sobre una joven guerrillera de 13 años en la selva colombiana que tiene que proteger al bebé que tiene la mujer del líder del grupo, siendo el único niño autorizado a nacer en ese pelotón ya que los demás acabarán en aborto. El tema ya se ha contado en cintas como “Rebelle” y “Operación E”, y aunque tiene su miga, se queda corta en emoción siendo su principal tara.

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En cambio sí que nos ha gustado mucho “Taklub” de Brillante Mendoza, una especie de “Treme” en versión filipina sobre una serie de personas que sufren la llegada de un terrible y amenazante tifón. La cinta está bien contada y nos introduce muy bien en clave de docudrama en la inestabilidad de una sociedad siempre a merced de los acontecimientos climatológicos que para ellos no tienen otro mandato que el divino. Esta sí que tiene altas dosis de emoción y va de menos a más eclosionando con imágenes de los protagonistas mientras suena una oración, notando la angustia de ese pueblo que (a pesar de todo) subiste con lo que tiene, siempre intentando salir adelante sin compadecerse por ello.

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Mucho más correcta y convencional “Je suis un soldat” del debutante Laurent Larivière sobre el tráfico ilegal de perros en forma de drama familiar cuando una joven despedida de la mina en la que trabajaba acaba trabajando con su tío en una especie de perrera en la que, precisamente, las condiciones de salubridad y la llegada y salida de los perros no son las más adecuadas. La película tira por el culebrón al final, ante la desesperación de la protagonista por destapar todo esto, pero en ella destaca una luminosa y alta Louise Bourgoin que se beneficia de un meticuloso papel femenino en guión.

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Nacho Gonzalo

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