San Sebastián 2015: “Truman” y “Sunset song” sobresalen en el inicio de la sección oficial

San Sebastián 2015: “Truman” y “Sunset song” sobresalen en el inicio de la sección oficial

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Querido Teo:

Primeras dos jornadas del Festival de San Sebastián en las que siempre cuesta un poco coger el ritmo entre todo lo que apetece ver y hacer en una ciudad con tantos estímulos y que siempre recibe de la manera más acogedora a todos los asistentes (cada vez más sobre todo el tan turístico primer fin de semana). San Sebastián mantiene el pulso en el circuito festivalero, a pesar de lo apretado de unas fechas que le hacen coincidir con otras citas importantes, y lo hace con una programación de nivel sustentada en la vertebral sección oficial, la imprescindible Perlas de otros festivales y la revalorada Horizontes Latinos. Eso sí, antes de meternos en harina comentar que gracias a haber estado en Cannes este año no ha hecho falta reincidir en “The assassin” y en “Sicario” protegiendo (especialmente por la primera) nuestra salud como espectador.

Y es que la primera película con la que nos estrenamos en esta edición no pudo ser más acertada, teniendo en cuenta que “Regresión” no estuvo a la altura de las expectativas, ya que “Truman” es una de las propuestas que han llegado para quedarse a la hora de hablar de grandes títulos de nuestro cine español reciente. La historia de dos amigos que vuelven a encontrarse debido a la enfermedad de uno de ellos en un Madrid (con escala en Amsterdam) al que llega el personaje de Javier Cámara desde el Canadá en el que ya ha hecho su vida para despedirse de su buen amigo al que da vida Ricardo Darín. A lo largo de cuatro días, y siempre acompañados por el inseparable perro que da título a la película, vemos como ambos encaran ese viaje hacia el destino final; quitándole toda frivolidad para adentrarse en las cosas realmente importantes alejándose de la compasión fácil y del enterramiento en vida. Un tiempo valioso para no estar entre hospitales y pruebas médicas, sino rodeado de las personas que realmente hacen que vivir haya valido la pena.

La cinta basa su gran valor en la naturalidad que desprenden unos actores en estado de gracia, con una química brutal, en un guión efectivo pero poco llamativo que Darín y Cámara elevan, especialmente el primero adoptando la posición activa de la trama como el enfermo que busca dejar cerrados todos sus asuntos pendientes, acompañados por un amplio puñado de rostros conocidos en pequeños papeles que van desde el empresario teatral de José Luis Gómez, el asesor de pompas fúnebres de Javier Gutiérrez, el conocido que se hace el loco para no saludarte de Francesc Orella o la persona que se dañó y a la que no se dijo perdón de Eduard Fernández. Y es que no es desconocido el petróleo que saca Cesc Gay de sus actores y lo que sorprende es que, a pesar de que la película tenga claramente dos protagonistas frente a su habitual coralidad, no se ha renunciado a mantener esa característica de su cine con estas apariciones. En definitiva, el trabajo más complejo pero accesible, maduro pero completo, tierno, conmovedor y lleno de humor ya que es imposible no soltar una carcajada con esa relación de réplicas y quejas entre el colegueo de dos amigos que son algo más que eso y que, a pesar de la distancia y las circunstancias, no han dejado de ser los mismos y conocerse entre ellos mejor que nadie lo ha hecho nunca. “Truman” golpea en emociones, con un final claramente arrebatador a la par que sencillo y coherente, estando llena de vida ante la llegada del adiós. La obra más redonda de Cesc Gay, uno de los títulos de la temporada y el trampolín al Goya de Ricardo Darín que tantas ganas hay de verle recibir.

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Pero no nos deshacemos en elogios sólo con “Truman” ya que en la sección oficial se ha podido ver toda una joyita, la que nos tenía preparada Terence Davies, el preciosista director de títulos como “The deep blue sea” que cuatro años después rebaja la solemnidad teatral y neblinosa de aquella para abordar el drama romántico de época clásico adaptando la novela de Lewis Grassic Gibbon que se centra en la lucha de una mujer que sufre la sociedad paternalista y machista de la Escocia de principios del siglo XX. La cinta se centra en tres actos; todos centrados en la determinación, autonomía y rebeldía de Chris Guthrie. Y es que la historia empieza con una chica cultivada e inquieta intelectualmente que sufre los desplantes de su padre, un pendenciero irascible y violento al que no podía dar vida otro que no fuera Peter Mullan, así como es testigo de los episodios de violencia a los que somete a su hermano y también a la desconsideración con su madre; que ocupa el rol de mujer abnegada y preocupada que en esta sociedad tiene como única misión la de parir y cuidar la casa. Dejando este entorno poco a poco atrás debido a las circunstancias, se acaba enamorando de un joven de buenos modales que la ama, la venera y la respeta hasta que la llegada de la guerra (y los mensajes de cobardía que recibe el joven) acaba minando la relación.

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No tengan miedo aquellos que no han logrado conectar con el cine de Terence Davies hasta la fecha, estamos también ante un drama de época de manual que en ningún momento decae (a pesar de sus dos horas y cuarto) en el que el director (que no deja de ser un esteticista hombre de referencias teatrales) logra atrapar al espectador provocándole una gran fascinación por lo que cuenta y por cómo lo cuenta; ya que cada escena es digna de cuadro de la mejor galería pictórica paisajística y es destacable (y casi un personaje más) el uso que hace de la música tradicional escocesa, insertada y presente en la historia en todo momento de manera más que acertada siendo interpretada en su mayor parte por los propios actores. La película no sería lo mismo sin la pareja formada por la bellísima Agyness Deyn, que se echa con maestría la película a sus espaldas a pesar de tener todavía breve experiencia en el tema del cine, y un Kevin Guthrie que confirma el desparpajo y versatilidad que demostraba en “Amanece en Edimburgo” en un personaje complejo y con aristas y con importante y debatible evolución psicológica a lo largo de una película que no deja de ser un retrato de supervivencia en el que la amenaza de la maldad humana fruto de la insatisfacción da poca tregua al bien y a los impulsos de seguir hacia adelante. Aunque sea todavía temprano decirlo, es difícil que deje de ser favorita personal a la Concha de Oro.

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El buen cine ha continuado con “El club” de Pablo Larraín, el cada vez más interesante director chileno que viene con la vítola del Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín 2015 y la selección de su país hacia el Oscar 2016. En un pequeño pueblo costero se alza una casa austera, inhóspita e impersonal en el que vemos convivir a cuatro hombres y a una mujer. Enseguida descubriremos que es una especie de reclusión para sacerdotes acusados de pederastia, vigilados por una religiosa con más aristas de las que pudiera parecer, cuya existencia, ya de por sí casi evaporada de toda indentidad o personalidad cargando el peso de la condena, se revoluciona todavía más con la llegada de un nuevo sacerdote que desencadena una espiral que romperá la aparente tranquilidad. Una cinta seca, dura, intensa, e incluso molesta y angustiosa en kafkianas situaciones provocadas por ese personaje de Sandokan que remueve todos los cimientos de estos fantasmas en vida, con mensaje de dobles lecturas ya que ni las acciones ni los personajes reciben ninguna atribución moral por parte del director… ¿son víctimas o culpables? ¿Tormentos despojados de la libertad sin posibilidad de redención? Una película que merece mucho la pena y que es todo un golpe a la cuestionable moral cristiana que ha solido ocultar estos hechos a lo largo de los tiempos en pro de su imagen de marca y de una divinidad mal entendida con fatales consecuencias.

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Mucha expectación (las colas eran buen reflejo de ello) la de “Mi gran noche”, lo nuevo de Álex de la Iglesia presentado fuera de concurso. Una delirante parodia sobre la cultura del espectáculo televisivo español, sustentado en esas artificiosas galas de fin de año y en la figura de Raphael, auténtico icono que en la cinta arroja casi la catalogación de mesiánico aunque sólo sea por una delirante presentación a lo Darth Vader y un maquiavelismo sorprendente y valiente en su regreso al cine 40 años después. Y es que De la Iglesia, que siempre ha sabido cuidar a los actores y homenajear a los mitos, rinde un tributo a la iconografía del mito de Raphael transformándole en un divo que mantiene una lucha de egos con un joven cantante latino con los movimientos de cadera de Mario Casas y también con el complot que parece que organizan el ruso (o no) Carlos Areces y un devoto entregado a la causa “raphaeliana” Jaime Ordóñez. Todo durante una eterna grabación de programa de Nochevieja en un microcosmos de burbuja y cotillón frente los piquetes y manifestaciones que les rodea con dos presentadores que se tiran de los pelos, una productora fumadora y mandona, un agente que no quiere que se su estrella acabe en los papeles por la posibilidad de un hijo ilegítima, una presunta gafe, un regidor estresado y unos extras que tienen que sonreír a pesar de que cada uno de ellos tenga ya de por sí sus propios problemas. El gran acierto de la cinta es que, además de que el amplísimo reparto (casi todos viejos conocidos para el cine del realizador) está estupendo calando el tono de delirio juguetón que tiene la cinta, el ritmo se mantiene en todo momento y, siendo lo que es, un disfrute paródico más que una obra referencial dentro de la filmografía del director, logra no desbarrar más allá de lo necesario y que no patine ni decaiga en su tercer acto (algo habitual en su filmografía reciente) a pesar del brutal ritmo que impone a una cinta esquizofrénica que juega mucho con el gag físico y los diálogos frescos, rápidos y directos. “Noche de fiesta” pasado por el tamiz de “Muertos de risa” en la que se echa de menos un mayor enfrentamiento entre Raphael y Mario Casas, que era el gancho en el que se apoyaba la promoción de la película y que en la cinta no deja de ser una subtrama más sin mayor trascendencia.

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De momento la cinta que menos nos ha satisfecho es “One of us” de Stephan Richter en Nuevos Directores, film austriaco que es una vuelta más al tema de la violencia juvenil y la irascibilidad hormonal en un entorno de desarraigo y sin oportunidades. Su gran valor, a pesar del tema manido que se ha tratado mucho mejor en otras cintas, es como saca valor estético al lugar en el que se desarrolla; un supermercado, algo tan inocente y habitual que en la cinta se vuelve tétrico a la par que fascinante.

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Nacho Gonzalo

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