Colgados de la plataforma: Semana del 20/01/2025 al 09/02/2025

Querido primo Teo: 

La muerte de David Lynch ha dejado un profundo vacío en el panorama cultural contemporáneo. Su obra, que redefinió los límites del cine y la televisión, permanece como un faro del surrealismo y la experimentación narrativa. Sin embargo, conviene recordar que, pese al reconocimiento que recibió en vida —a través de homenajes, retrospectivas y palabras de admiración—, ese aprecio rara vez se tradujo en un respaldo económico que le permitiera desarrollar nuevos proyectos con libertad. Lynch, figura imprescindible para entender la potencia onírica del audiovisual moderno, encarna esa paradoja dolorosa del artista venerado pero desatendido. En su honor, esta semana nuestros clásicos y joyas orbitan en torno al surrealismo, ese territorio donde él se movía como nadie.

PELÍCULAS

“Canina” de Marielle Heller (Disney +) Estreno directo en la plataforma

Basándose en la aclamada novela de Rachel Yoder, Marielle Heller dirige a Amy Adams en una potente exploración cinematográfica de la maternidad contemporánea. La película narra la historia de una mujer que decide dejar en suspenso su carrera profesional para volcarse por completo en la crianza de su hijo, una decisión que, lejos de ofrecerle estabilidad o plenitud, la sumerge en una espiral de desgaste físico, aislamiento emocional y desequilibrio psicológico. A través de una mirada tan incisiva como empática, el film desmonta los ideales románticos asociados a la maternidad y se adentra en el lado oscuro y a menudo silenciado de esa experiencia. Con una Amy Adams en estado de gracia, esta adaptación se convierte en un retrato inquietante, valiente y profundamente humano de lo que significa desaparecer tras el rol de madre.

“De vuelta a la acción” de Seth Gordon (Netflix) Estreno directo en la plataforma

Seth Gordon dirige esta comedia de acción trepidante que reúne a una antigua pareja de espías de la CIA, obligados a dejar atrás su retiro —y sus diferencias— para volver al terreno de juego. Con Jamie Foxx y Cameron Díaz al frente, el film marca el esperado regreso de esta última a la gran pantalla, una década después de su último trabajo en “El consejero” de Ridley Scott. La química entre ambos actores, sumada a un guión lleno de enredos, persecuciones y réplicas afiladas, promete una combinación explosiva de adrenalina y humor. Un entretenimiento que juega con los códigos del cine de espías y las segundas oportunidades, tanto en la ficción como en la carrera de sus protagonistas.

“La habitación de al lado” de Pedro Almodóvar (Movistar +) 

Pedro Almodóvar conquistó el León de Oro en la Mostra de Venecia 2024 con "La habitación de al lado", su primer largometraje íntegramente rodado en inglés, tras sus incursiones previas en el formato corto con la lengua de Shakespeare como vehículo narrativo. La película, protagonizada por Tilda Swinton y Julianne Moore, narra el reencuentro de dos mujeres unidas por una amistad profunda y antigua, ahora teñida por la sombra de la despedida: el personaje de Swinton ha asumido, con serena lucidez, la inminencia de su muerte tras ser diagnosticada con una enfermedad irreversible. En esta obra contenida y elegíaca, Almodóvar deja a un lado sus habituales explosiones cromáticas y dramáticas para abrazar un tono más sobrio y reflexivo, sin renunciar a su inconfundible sensibilidad. Una pieza íntima y conmovedora sobre el amor, la memoria y la aceptación del final.

“Tuesday” de Daina Oniunas-Pusic (Movistar +)  Estreno directo en la plataforma

La incomparable Julia Louis-Dreyfus encabeza “Tuesday”, un singular y emotivo drama que aborda la muerte desde una perspectiva tan insólita como profundamente poética. En el centro de la historia, una madre y su hija adolescente se ven obligadas a enfrentarse a la pérdida, el duelo y la aceptación, cuando la muerte irrumpe en sus vidas bajo la inesperada apariencia de un pájaro parlanchín. Lejos de caer en lo morboso o lo melodramático, la película se mueve entre lo fantástico y lo íntimo, explorando con delicadeza la vulnerabilidad, el vínculo maternofilial y la forma en que la imaginación puede suavizar incluso los golpes más duros de la realidad. Un papel extraordinario para Louis-Dreyfus, que demuestra aquí, una vez más, su capacidad para transitar con naturalidad entre el humor, el dolor y la ternura.

“The creator” de Gareth Edwards (Amazon Prime) 

Esta ambiciosa propuesta dirigida por Gareth Edwards plantea una oportuna y provocadora reflexión sobre el papel de la inteligencia artificial en un futuro cada vez más cercano. A través de una narrativa que combina épica visual con carga emocional, “The Creator” explora los límites éticos y morales del progreso tecnológico, cuestionando qué significa realmente ser humano en un mundo donde las máquinas no solo piensan, sino también sienten, obedecen y se rebelan. Con un universo visualmente deslumbrante y ecos de clásicos del género, la película no solo deslumbra por su escala, sino que invita al espectador a confrontar sus propias ideas sobre el control, el miedo al otro y las consecuencias de nuestras decisiones colectivas. Edwards demuestra aquí su capacidad para fusionar el cine de gran espectáculo con una mirada crítica y profundamente humanista.

DOCUMENTALES

“Brats: Las jóvenes estrellas de los 80” de Andrew McCarthy (Movistar +) 

Andrew McCarthy se pone al frente —y también al otro lado de la cámara— en este emotivo documental en el que revisita su propia historia como miembro destacado del llamado “Brat Pack”, aquel grupo de jóvenes actores que marcó a toda una generación en la década de los ochenta. Lejos de la nostalgia superficial, el film se adentra en las luces y sombras de un fenómeno cultural que encumbró a figuras como Molly Ringwald, Rob Lowe, Demi Moore, Ally Sheedy, Emilio Estevez y Judd Nelson, transformándolos en iconos adolescentes casi de la noche a la mañana. A través de entrevistas, material de archivo y una mirada íntima y honesta, McCarthy explora el impacto personal y colectivo de esa fama temprana, así como el peso que la etiqueta del “Brat Pack” tuvo en sus trayectorias profesionales. El resultado es un retrato generacional tan lúcido como melancólico, que habla del precio de crecer bajo los focos y del modo en que el tiempo reconfigura nuestras memor

“Hollywoodgate” de Ibrahim Nash’at (Filmin) 

En septiembre de 2021, el ejército de Estados Unidos culminó su retirada de Afganistán tras dos décadas de ocupación, dejando un país al borde del abismo y marcando el regreso al poder de los talibanes. Entre las muchas instalaciones abandonadas, una en particular atrajo la atención tanto por su contenido como por su carga simbólica: la base conocida como Hollywood Gate, situada en Kabul y gestionada por la CIA. Cuando las fuerzas talibanes entraron en el recinto, se encontraron con una sorprendente cantidad de material militar y de inteligencia del Departamento de Defensa —desde vehículos blindados hasta tecnología de vigilancia— que, lejos de ser destruido o evacuado, fue apropiado sin reparos por los nuevos ocupantes. El hallazgo, que recuerda más a un escenario de ficción que a una operación real, se convirtió en un emblema del fracaso occidental en la región y del desconcertante legado que dejó tras de sí. La imagen de los talibanes posando con equipo militar estadounidense encapsula con crudeza las paradojas de una guerra interminable y su caótico desenlace.

“Patria y vida” de Beatriz Luengo (Movistar +) 

“Patria y vida”es mucho más que una canción galardonada con el Grammy Latino; se ha convertido en un auténtico himno de resistencia y esperanza contra la dictadura castrista en Cuba. Compuesta por un grupo de artistas comprometidos, entre ellos Beatriz Luengo, quien en este documental ofrece un relato íntimo y apasionado sobre la génesis y el impacto de este tema. La canción, que rompió con décadas de censura y control cultural, resonó con fuerza en las calles de La Habana, encendiendo un movimiento social y político que tomó por sorpresa a las autoridades. Además, su difusión viral en las redes sociales permitió que el mensaje de libertad cruzara fronteras, transformándose en un símbolo global de lucha por los derechos humanos y la democracia en la isla. Este documental no solo recoge la historia detrás de la canción, sino también la voz de un pueblo que encontró en la música un vehículo para alzar la protesta y la esperanza.

CLÁSICOS Y JOYAS

“Inland empire” de David Lynch (Filmin) 

Cuando David Lynch presentó “Inland empire” (2006)  en el Festival de Venecia, la recepción fue tan polarizadora como fascinante, con la audiencia y la crítica repitiendo una y otra vez: “Señor Lynch, explíquese”. Esa edición del certamen no solo premió al director con un León de Oro honorífico, sino que también se convirtió en el escenario perfecto para presentar una obra que desafía las convenciones narrativas y sensoriales del cine contemporáneo. “Inland empire” se sumerge en la obsesión artística a través de la historia de una actriz cuyo sentido de la realidad se fragmenta y distorsiona a medida que se adentra en un proyecto cinematográfico que podría marcar su regreso a la fama. En esta película, Lynch despliega su sello inconfundible de surrealismo oscuro y onírico, donde la línea entre sueño y vigilia, realidad y ficción, se difumina hasta desaparecer. La narrativa se descompone en capas de simbolismo, imágenes inquietantes y escenas que desafían la lógica lineal, creando una experiencia sensorial que refleja la psique fracturada de su protagonista. “Inland empire” no busca respuestas claras, sino sumergir al espectador en un laberinto emocional y existencial, una meditación sobre la identidad, el miedo y la creatividad que solo el surrealismo más radical puede abordar con tanta audacia.

“Un perro andaluz” de Luis Buñuel (AContra+) 

“Un perro andaluz” (1929), dirigido por Luis Buñuel en colaboración con Salvador Dalí, es una obra seminal que marcó un antes y un después en la historia del cine surrealista. Considerada una pieza fundamental del surrealismo cinematográfico, esta película rompe con todas las convenciones narrativas tradicionales para adentrarse en un mundo onírico, donde el inconsciente, los sueños y los impulsos irracionales dominan la escena. Con secuencias impactantes y provocadoras —como la famosa escena inicial del ojo cortado con una navaja—, “Un perro andaluz” desafía la lógica, el tiempo y el espacio, para explorar los recovecos más oscuros y profundos de la mente humana. Buñuel y Dalí emplean imágenes simbólicas, yuxtaposiciones inesperadas y metáforas visuales que desestabilizan al espectador, invitándolo a liberarse de la razón y sumergirse en el reino de lo irracional y lo subconsciente. La película no busca contar una historia lineal, sino provocar emociones y pensamientos a través de asociaciones libres y la ruptura de la coherencia narrativa. “Un perro andaluz” sentó las bases para un cine experimental y revolucionario, influyendo no solo en el surrealismo sino también en múltiples corrientes artísticas posteriores. Es, sin duda, una pieza clave para entender cómo el cine puede trascender la realidad y convertirse en un espejo del alma humana, con sus deseos ocultos, miedos y contradicciones.

“El proceso” de Orson Welles (Filmin) 

“El proceso” (1962) , dirigida por Orson Welles y basada en la novela homónima de Franz Kafka, es una obra emblemática que ejemplifica cómo el surrealismo puede trasladarse al lenguaje cinematográfico para explorar las ansiedades existenciales y la alienación moderna. Welles convierte la inquietante narrativa kafkiana en una experiencia visual profundamente perturbadora, donde lo absurdo y lo onírico se entrelazan para reflejar el laberinto interno del protagonista, atrapado en un sistema judicial opresivo y kafkiano. El film utiliza elementos surrealistas como espacios distorsionados, iluminación expresionista y ángulos de cámara inquietantes que desorientan al espectador y reflejan la confusión y el miedo paralizante que atraviesa Joseph K., el personaje central. Las secuencias parecen desarrollarse en un sueño febril, donde la lógica convencional es suspendida y el tiempo se diluye, creando una atmósfera claustrofóbica y opresiva. Esta representación visual del absurdo y la pérdida de control es una de las marcas distintivas del surrealismo cinematográfico. Además, “El proceso” de Welles no solo evoca la sensación de pesadilla kafkiana, sino que también critica de manera implícita los mecanismos autoritarios y la burocracia deshumanizante, reforzando así el compromiso social y político que muchas veces acompaña al surrealismo. La película se convierte en un espejo inquietante de la condición humana, donde el temor, la impotencia y la irracionalidad se manifiestan con una fuerza visual inigualable.

“La cabina” de Antonio Mercero (FlixOlé)

“La cabina” (1972), el emblemático cortometraje dirigido por Antonio Mercero, es un brillante ejemplo de cómo el surrealismo puede manifestarse en el formato televisivo para crear una experiencia inquietante y profundamente simbólica. Aunque situado en un contexto cotidiano y reconocible —una cabina telefónica en plena calle—, el relato se adentra rápidamente en el terreno de lo absurdo y lo irracional, características esenciales del surrealismo. La historia, que narra cómo un hombre queda atrapado inexplicablemente dentro de una cabina telefónica, desencadena una sensación creciente de claustrofobia, impotencia y desamparo, evocando la angustia existencial y la pérdida de control sobre la realidad. A través de esta situación aparentemente banal, Mercero construye una alegoría sobre la incomunicación, la alienación y la burocracia opresiva, temas recurrentes en el surrealismo social. La atmósfera tensa, reforzada por una dirección minimalista y una puesta en escena precisa, crea un universo donde lo real y lo fantástico se funden, y donde la lógica cotidiana se ve quebrantada por un misterio inexplicable. “La cabina” no ofrece respuestas, sino que invita al espectador a confrontar el absurdo de ciertas situaciones humanas, mostrando cómo lo ordinario puede convertirse en una pesadilla surrealista. Este cortometraje sigue siendo una pieza fundamental para entender cómo el surrealismo puede adaptarse a distintos formatos y contextos, manteniendo intacta su capacidad de inquietar y provocar reflexión.

“Cómo ser John Malkovich” de Spike Jonze (Filmin) 

Charlie Kaufman escribió “Cómo ser John Malkovich” (1999), que supuso el debut en el largometraje del reconocido director de anuncios y vídeos musicales Spike Jonze. La película narra la delirante historia de un marionetista virtuoso pero atrapado en una vida mediocre, que descubre un misterioso pasadizo que lo lleva directamente a la mente de John Malkovich, uno de los actores más singulares y “europeizados” de Hollywood. Más allá de su premisa excéntrica, “Cómo ser John Malkovich” es una obra maestra del surrealismo contemporáneo que juega con la identidad, la percepción y el deseo de control. La película descompone la realidad en fragmentos absurdos y oníricos, donde la frontera entre el yo y el otro se vuelve maleable y ambigua. La existencia misma se convierte en un escenario donde los personajes se desplazan literalmente dentro de la mente ajena, explorando temas profundos como la alienación, la obsesión y la búsqueda de significado en un mundo desconcertante. El surrealismo aquí no es solo una estética visual, sino una herramienta narrativa para cuestionar las estructuras psicológicas y sociales que definen nuestra experiencia. Jonze y Kaufman crean un universo donde lo fantástico irrumpe en lo cotidiano, provocando tanto la risa como la reflexión.

Mary Carmen Rodríguez