Conexión Oscar 2026: Las 30 películas que inician la carrera

Querido Teo:

La carrera al Oscar cada vez tiene menos descanso, el cual es necesario para tomar perspectiva, aire e impulso, lo cual hace que dé la sensación de que los inicios de temporada de premios se sucedan en el tiempo sin solución de continuidad. Algunos sitúan el arranque nada más terminar la ceremonia, otros se esperan a Cannes (buscando encontrar allí unas inercias que no todos los años se producen) pero nosotros seguimos fiel a nuestra dinámica de las últimas 19 temporadas que hemos compartido hablando de Oscar desde este lugar. Es el último lunes de agosto (cuando se vislumbra el verdor de las aguas venecianas y el rodillo del frenesí festivalero de otoño) cuando damos por iniciada una carrera de premios en la que, con el buen sabor de boca que nos dejó la anterior, buscaremos seguir entreteniéndonos y disfrutando como excusa para hablar del que (en teoría busca ser) el mejor cine del año. Como siempre tanto desde la web como desde YouTube sin olvidar todo lo que haya que contar al instante desde X o Instagram con la vista puesta en un calendario que tiene dos fechas clave para este 2026; las nominaciones del 22 de enero y la gala de la 98ª edición de los Oscar el 15 de marzo. Sabemos cómo empezamos pero no cómo terminamos y, por ello, lo bonito de todo esto es vivir juntos lo que nos tiene preparados este camino. 

1º “Bugonia” (Yorgos Lanthimos) // Focus Features

Yorgos Lanthimos no baja el ritmo y el griego ya tiene en la rampa de lanzamiento su próximo título que supondrá, además, agrandar su colaboración con Emma Stone siendo su quinta colaboración conjunta tras "La favorita" (2018), el cortometraje “Bleat” (2022), "Pobres criaturas" (2023) y "Kinds of kindness" (2024). En "Bugonia" lleva a cabo una sátira anticapitalista con abejas y flores como metáfora en la que dos jóvenes obsesionados con las conspiraciones (Jesse Plemons y Aidan Delbis) secuestran a la poderosa directora ejecutiva de una importante empresa (Emma Stone), convencidos de que es un extraterrestre que intenta destruir el planeta Tierra. Uno de los platos fuertes del Festival de Venecia (donde el griego ya ganó hace dos años con "Pobres criaturas").

En una temporada sin los grandes nombres de turno presentando película (véase Scorsese, Spielberg, Fincher o Tarantino) podría ser una buena oportunidad para que llegara el momento de un director que ha pasado en poco más de una década de ser un realizador tendente al morbo y a la experimentación a consagrarse como uno de los realizadores más destacados del panorama actual. No es sólo que siempre logre grandes repartos entregados a su causa sino que Hollywood decididamente le ha abrazado ya con sus nominaciones a película y dirección por "La favorita" en 2019 y "Pobres criaturas" en 2024. 

2º “Valor sentimental” (Joachim Trier) // NEON

La carta internacional y de prestigio la atesora este año Joachim Trier con "Valor sentimental" que encontró el aval del Festival de Cannes con el Gran Premio del Jurado con una obra sólida, madura y lúcida que evoca al cine de Bergman sin olvidar el espíritu que tenía el anterior trabajo del director, "La peor persona del mundo" (2022), obra que no hace más que ser reivindicada como fiel, ácido, crudo e ingenioso retrato de las relaciones personales de nuestro tiempo y el estado vital de la generación "millennial" en un mundo de individualismo e insatisfacción. A nadie se le escapa que Joachim Trier es el gran candidato para ocupar esa plaza de director internacional que todos los últimos años ha formado parte de los candidatos teniendo su cinta la calidad y el empaque necesario para que NEON pueda (al igual que pasó con "Parásitos") ir mucho más allá de la categoría de película internacional.

Las hermanas Nora y Agnes se reencuentran, tras la muerte de la madre, con su distanciado padre, el carismático Gustav, un antiguo director de renombre que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su próxima película; un proyecto muy personal. Nora lo rechaza, marcada por los años de ausencia, y pronto descubre que su papel recae en una joven y entusiasta estrella de Hollywood que quiere probar suerte en el cine de autor. Un viaje de descubrimiento y redención a través de una compleja dinámica plasmada en un guión escrito con firmeza, patetismo y humor y cuatro actores magníficos: Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Elle Fanning e Inga Ibsdotter Lilleaas. Una apuesta segura.

3º “Hamnet” (Chloé Zhao) // Focus Features

Chloé Zhao tiene en "Hamnet" uno de los títulos clave de esta temporada aunque su ausencia en certámenes como el Festival de Venecia (sí que estará en el de Toronto) deja en duda cuál va a ser su verdadero papel en la temporada de premios (Variety pone sobre ella la maldición de temprana favorita al Oscar). Steven Spielberg y Sam Mendes (que fue la primera opción para dirigir la cinta) constan como productores en “Hamnet”, adaptación de la celebrada novela de Maggie O’Farrell publicada en 2020 y ambientada en la Inglaterra de la década de 1580, abrazando la realidad y la ficción para centrarse en el viaje emocional de unos padres que sufren la pérdida de su único hijo, Hamnet, a los 11 años, víctima de la Peste Negra lo que terminó siendo el germen para la inmortal “Hamlet” que consagró al dramaturgo.

Paul Mescal, Jessie Buckley, Joe Alwyn, Emily Watson y Jacobi Jupe protagonizan una cinta que cuenta con la música de Max Ricther (“La llegada”, “The leftovers”), la dirección de fotografía de Łukasz Żal ("Cold war", "La zona de interés") y el diseño de producción de Fiona Crombie ("Macbeth", "La favorita"). Una de esas película que parecen tenerlo todo; el caldo emocional que tiene de por sí la historia, la ambientación histórica y un reparto encabezado por una Jessie Buckley que se encuentra en un momento de dulce en su carrera teniendo aquí uno de esos papeles en los que llueven todos los premios. Las próximas semanas serán claves para ver si la propia Focus Features apuesta más por la película de Zhao (a la que le puede pasar el cuestionado arrase de "Nomadland" en 2021) o por la de Yorgos Langthimos.

4º “Jay Kelly” (Noah Baumbach) // Netflix

“Jay Kelly” supone el 13º largometraje de Noah Baumbach, realizador de personal sello y estilo urbanita muy neoyorquino que es poseedor de una carrera irregular que de momento le ha brindado cuatro nominaciones al Oscar por “Una historia de Brooklyn” (guión original), “Historia de un matrimonio” (película y guión original) y “Barbie” (guión adaptado). Su nuevo trabajo será también la cuarta colaboración consecutiva con Netflix tras “The Meyerowitz stories” (2017), “Historia de un matrimonio” (2019) y “Ruido de fondo” (2022). Con todos estos antecedentes, ¿se puede pensar que una película de Netflix dirigida por Noah Baumbach puede hacer algo en los Oscar?

“Jay Kelly” es una comedia dramática que tendrá su puesta de largo en el Festival de Venecia 2025 y que parte de una gran estrella de cine en torno a los 60 años que se encuentra en crisis vital y que, ante el homenaje que le va a brindar un importante festival de cine, tendrá que enfrentarse a un ajuste de cuentas personal volviendo a entrar en contacto con todos aquellos que han formado parte de su vida. Una ácida mirada al propio mundo de la industria que jugará en categorías como guión original y en las interpretativas (George Clooney, Adam Sandler y Laura Dern) pero de la que quizá no sea conveniente más allá de apostar como una opción de esas que se ponen como candidatas más de "facto" que por apasionamiento o convencimiento.

5º “Frankenstein” (Guillermo del Toro) // Netflix

"Frankenstein" de Guillermo del Toro ya está en la rampa de salida de cara a su lanzamiento siendo uno de los proyectos de cabecera para la nueva temporada dentro del arsenal de las películas que ofrecerá Netflix siendo el segundo trabajo consecutivo que el director emprende junto a la plataforma. Una apuesta que no sabemos hacia dónde llegará en la temporada de premios pero que al menos será una candidata fija en apartados como fotografía, diseño de producción y vestuario en la adaptación gótica de la obra de Mary Shelley que en estética ya nos recuerda a cintas recientes como “Pobres criaturas” (2023) o “Nosferatu” (2024).

Oscar Isaac es el doctor Victor Frankenstein, Jacob Elordi es la criatura (asumió el papel nueve semanas antes del rodaje tras la renuncia de Andrew Garfield por conflictos de agenda) y Mia Goth es Elizabeth Lavenza, el interés romántico de una historia en la que también veremos a nombres como Christoph Waltz, David Bradley, Lars Mikkelsen, Felix Kammerer, Ralph Ineson y Charles Dance. En el apartado técnico habrá que fijarse en la fotografía de Dan Laustsen, el montaje de Evan Schiff, el diseño de producción de Tamara Deverell, el vestuario de Kate Hawley y la música de Alexandre Desplat. ¿Suficiente para verla cómo una candidata a todo? ¿Volverá a convencer Guillermo del Toro en su nuevo viaje por el mundo de la fantasía tras el triunfo de "La forma del agua" en 2018 y el premio a mejor película de animación por "Pinocho" en 2023?

6º “Los pecadores” (Ryan Coogler) // Warner Bros.

“Los pecadores” es una gozosa y sorprendente coctelera que entremezcla acción, drama racial, terror, ciencia ficción, western segregacionista, fatalidad, humor negro y un homenaje a la cultura afroamericana, así como su lucha por la dignidad y continua resiliencia frente a los discursos de odio, mecida por el blues. Ryan Coogler ha logrado, sin duda, uno de los éxitos del año a todos los niveles (tanto de crítica como de público) permitiéndose revertir los clichés de un género como el terror. Una mezcolanza con el que se demostrará de verdad si la Academia es tan renovadora como intenta aparentar o no irá más allá de candidaturas de compromiso (sobre todo en el apartado técnico).

Ryan Coogler se doctora definitivamente (liberado de las concesiones de anteriores trabajos) ofreciendo cine con mayúsculas que explora fantasmas del pasado reivindicando la riqueza cultural y la lucha de un pueblo con el racismo como amenaza y la música como arma balsámica permitiendo que Ludwig Göransson se permita gozar con la riqueza envolvente del blues y su conexión esotérica a la hora de definirla como “música del diablo”. Tras los 3 Oscar (de 7 nominaciones) conseguidos por "Black Panther" en 2019, Ryan Coogler se encuentra ante la posibilidad de un nuevo hito.

7º “Wicked: Parte II” (Jon M. Chu) // Universal Pictures

Desde que "El señor de los anillos" consiguiera con la última entrega de su trilogía arrasar con 11 Oscar siempre existe la idea entre los expertos de que esto se puede repetir con cintas que llegan divididas en diversas partes. Es por ello que por un lado están los que piensan que "Wicked: Parte II" puede ir más allá de lo conseguido por su predecesora (2 Oscar de 10 nominaciones) como broche de oro al reto abordado por Marc Platt como productor mientras que otros consideran que el fervor verde perderá fuerza y factor novedad de cara a las siguientes candidaturas. Desde luego es la gran esperanza para la taquilla las próximas Navidades pero una de las señales clave será ver si Cynthia Erivo y Ariana Grande son capaces de repetir las candidaturas del año pasado. Ello ya calibrará las opciones reales de la cinta.

Universal Pictures va a poner todo de su parte para volver a romper la taquilla y después tener muy presente en el candelero a uno de esos escasos fenómenos populares que de vez en cuando pueblan las salas. Eso sí, tendrá que luchar contra la cosecha renovada del año y el hecho de que haga más de 20 años que un musical no logra alzarse con la estatuilla teniendo siempre que luchar a contracorriente en unos Oscar que parecen más interesados en nominar a este tipo de películas con el fin de tener una excusa para sorprender con un brillante número musical ("Wicked" se reservó la apertura de la pasada gala poniendo el nivel del sentido del espectáculo a nivel estratosférico) que por interés real desde el punto de vista cinematográfico.

8º “Marty Supreme” (Josh Safdie) // A24

Tras callar muchas bocas dando vida a Bob Dylan en “A complete unknown” (2024), lo que le hizo estar rozando el Oscar al mejor actor, Timothée Chalamet busca seguir reivindicándose como intérprete y que se siga hablando de él más allá de protagonizar apuestas comerciales consumidas por el público más amplio ("Dune", "Wonka", "Dune. Parte 2") o ser un icono pop para portadas de revista, "influencers" y alfombras rojas. “Marty Supreme” es su baza para esta nueva temporada bajo el manto del sello A24 y vendiéndose como una comedia de acción vertiginosa que sigue la senda de "Atrápame si puedes" (2003) y "El lobo de Wall Street" (2013).

El biopic de un buscavidas que soñó a lo grande y se convirtió en campeón de ping pong, desde que empezó a jugar por apuestas en Manhattan, siendo una promesa hasta caer como juguete roto y después resurgir ganando 22 títulos importantes convirtiéndose (con 67 años) en el más veterano en ganar una competición nacional de deportes de raqueta. Muchas expectativas genera lo nuevo de Safdie tras lo visto en "Good time" (2017) y "Diamantes en bruto" (2019), codirigidas junto a su hermano Benny que este año también estrena por separado bajo el manto de A24 "The smashing machine". Veremos quién sale mejor parado en esta lucha fraternal con el mismo Estudio como nexo de unión.

9º “Rental family” (Hikari) // Searchlight Pictures

“Rental family” puede ser una de las bazas más emocionales y accesibles de la temporada (ya se habla de un posible Premio del Público en el Festival de Toronto que no haría más que acrecentar sus opciones). En todo caso estamos ante una más que sugerente y curiosa propuesta de la directora y guionista japonesa Hikari con Brenda Fraser al frente. El protagonista es un actor estadounidense solitario y deprimido que vive en Tokio y empieza a trabajar para una empresa japonesa que se dedica a "las familias de alquiler" con el fin de desempeñar varios papeles de suplente en la vida de otras personas fingiendo ser padres, parejas o amigos de sus clientes. Por el camino, forja algunas conexiones humanas sorprendentes y descubre una felicidad inesperada dentro de la familia en la que se integra.

Hikari también escribe el guión junto a Stephen Blahut aunando surrealismo, aventura, existencialismo, reflexión, ternura y emoción aprovechándose de ese contraste cultural y de caracteres que también inundaba "Lost in translation" (2003) de Sofia Coppola y que, al igual que aquí, no hace más que evidenciar una desazonadora soledad y falta de comunicación en una sociedad en la que la tecnología y los avances nos han separado emocionalmente más que nos han unido. Un retrato social que interpela y que puede tocar la fibra sensible aprovechándose del voto popular y de la buena mano de Searchlight Pictures con este tipo de apuestas. 

10º Nouvelle Vague” (Richard Linklater) // Netflix

Richard Linklater siempre sorprende y su inquietud le lleva a explorar terrenos que pocos transitan. Tras conectar con toda una generación su trilogía del amor y el desamor, seguir el crecimiento físico y vital de un niño durante 12 años, o probar la animación con una aventura espacial, ahora la nostalgia vuelve a estar presente en uno de sus títulos recreando nada más y nada menos que todo un movimiento social, cultural y cinematográfico como fue la Nouvelle Vague, el movimiento por antonomasia del cine de autor que siguiendo la estela de nombres como Jean-Pierre Melville o Roberto Rossellini fue impulsado en Francia por toda una generación comandada por Jean-Luc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol o Suzanne Schiffman.

"Nouvelle Vague" aborda con ligereza pero también con rigor unos días clave para ese grupo de amigos y cineastas con los que comienza la película y que termina siendo una mirada a las entretelas del rodaje de “Al final de la escapada” (1960) con toda la plana mayor que obró este hito y que refleja una dirección de casting magistral digna de ganar la categoría que los Oscar inaugurarán el próximo año. Una delicatessen para cinéfilos en la que sorprenderá el respeto y la energía con la que está abordada admirando el trabajo interpretativo del trío formado por Guillaume Marbeck (Godard), Audry Pullin (Belmondo) y Zoey Deutch (Seberg).

11º “Springsteen: Deliver me from nowhere” (Scott Cooper) // 20th Century Studios

Es un buen momento para el biopic musical tras los estrenos de “Bohemian Rhapsody” (2018), “Rocketman” (2019), “Elvis” (2022) o “A complete unknown” (2024) por decir sólo algunos de los que más éxitos han tenido últimamente. Además de Freddie Mercury, Elton John, Elvis Presley o Bob Dylan también hemos tenido títulos recientes dedicados a Amy Winehouse, Aretha Franklin o Bob Marley (y pronto también llegará Michael Jackson) por lo que con esta nómina era cuestión de tiempo que le llegará el turno a Bruce Springsteen, uno de esos artistas totales encima de un escenario y un auténtico icono en la cultura popular de las últimas décadas. Scott Cooper, adaptando el libro de Warren Zanes, dirige “Springsteen: Deliver me from nowhere”.

Al igual que en la reciente película que tuvo a Timothée Chalamet a las puertas del Oscar, el proyecto que nos ocupa se centra en los orígenes del artista en los cuales se abre paso en la escena musical para alcanzar con gran celeridad un estatus que todavía hoy sigue vigente para un Bruce Springsteen que, a sus 75 años, genera a su paso una aureola de prestigio, un seguimiento de pura devoción y un éxtasis adrenalínico en cada concierto. Jeremy Allen White es el gran reclamo de la cinta en su gran papel en el cine después de su éxito en la serie "The bear" mientras que dos de los actores del momento como Jeremy Strong y Stephen Graham podrían hacer un buen papel en las categorías de reparto.

12º “Una casa llena de dinamita” (Kathryn Bigelow) // Netflix

“Una casa llena de dinamita” de Kathryn Bigelow completa el trio de películas de la compañía Netflix (las otras dos son "Frankenstein" y "Jay Kelly") que viajarán a los canales gondoleros con el fin de alzarse con el León de Oro del Festival de Venecia 2025. Hay muchas ganas de ver lo nuevo de una directora que tocó el cielo con "En tierra hostil" (2008) a nivel de premios Oscar pero que sufrió el hecho de que "La noche más oscura" (2012) y "Detroit" (2017), sus dos siguientes películas, a pesar de ser mejores, no fueran lo bien ponderadas que se hubieran merecido. 

Cuando un misil sin identificar el origen es lanzado contra Estados Unidos, en la Casa Blanca comienza una carrera contra reloj para determinar quién es el responsable y cómo actuar en respuesta. Noah Oppenheim escribe el guión de una cinta (tras tres colaboraciones consecutivas de la directora con Mark Boal) que cuenta además con la fotografía de Barry Ackroyd y la música de Volker Bertelmann. Idris Elba, Rebecca Ferguson, Gabriel Basso, Jared Harris, Tracy Letts, Anthony Ramos, Moses Ingram, Jonah Hauer-King, Greta Lee y Jason Clarke forman parte del reparto del regreso cinematográfico de Kathryn Bigelow con sus buenas dosis de tensión, conspiraciones y críticas a la política exterior USA.

13º “El agente secreto” (Kleber Mendonça Filho) // NEON

“El agente secreto” es un vibrante policiaco ambientado en los últimos estertores de la dictadura brasileña, la cual extiende sus redes ya de manera descarada y sin nada que perder. Una combinación de géneros en la que destaca el thriller político setentero y el drama histórico con puntos de serie B, comedia negra y textura sudorosa, para un trabajo que a pesar de su errática y pretendidamente confusa fragmentación temporal, divido en capítulos que se van nutriendo los unos de los otros, tiene mantenido el interés en todo momento en la historia de ese hombre que huye de un pasado tenebroso con el fin de rehacer su vida en Recife reencontrándose con su hijo y sin saber que de lo que se huye siempre supone una amenaza cuando sufre una persecución por parte de agentes del gobierno.

Con el reciente Oscar para Brasil por "Aún estoy aquí", la cinematografía del país vuelve a estar en boga mirando hacia su pasado con una película de Kleber Mendonça Filho con la que NEON puede jugar bien en la carrera como segunda opción del Estudio (tras "Valor sentimental" de Joachim Trier) por su mezcla de géneros, dinamismo y contar en su reparto con Wagner Moura, una presencia cada vez más habitual en el cine de Hollywood. Uno de los escasos títulos de la cosecha del Festival de Cannes este año que de verdad podrían tener un papel destacado en la carrera de premios.

14º “Un simple accidente” (Jafar Panahi) // NEON

Tras un sufrido periplo de persecuciones, arrestos domiciliarios, estancias en prisión y rodando en clandestinidad debido a la denuncia de la censura y la corrupción del régimen iraní reflejada en su cine, Jafar Panahi representa mucho más allá de lo cinematográfico por todo lo que supone su presencia como hombre libre (exiliado de su país) pero dispuesto a espolear y combatir con su cámara. Todo ello es lo que se plasma en "Un simple accidente", la vigente ganadora del Festival de Cannes, en la que lo que comienza como un accidente sin importancia desencadena una serie de consecuencias cada vez mayores cuando un grupo de cinco disidentes; un mecánico, una pareja de novios, una fotógrafa de bodas y un médico, marcados por la rabia y el dolor, secuestran al que creen que fue su antiguo torturador.

En “Un simple accidente” Jafar Panahi ofrece un thriller efectivo y enérgico, de narración simple y estructura clásica pero compleja moralidad, que no necesita de una especial contundencia para ser una valiosa parábola sobre la justicia reparadora cuando se busca solventar el daño cometido por un gobierno abusivo y las consecuencias de éste a lo largo del tiempo. Debido a sus especiales circunstancias, habrá que ver hasta qué nivel la Academia es capaz de abrazar este título autoral y combativo.

15º “Caza de brujas” (Luca Guadagnino) // Amazon MGM Studios

Julia Roberts encarna a la fría y aparentemente segura de sí misma profesora de Filosofía de la Universidad de Yale, Alma Olsson. Su cómoda carrera profesional y vida familiar con su voluble esposo Frederik (Michael Stuhlbarg) se ven sumidas en el caos después de que su protegida, Maggie (Ayo Edebiri), candidata a doctorado, acusara a Henrik (Andrew Garfield), su viejo colega y amigo, de agresión sexual. Como resultado, el ambiente de privilegio académico en el campus comienza a disolverse, y Alma debe sortear los campos minados del género, la sexualidad, la raza y el poder institucional, mientras intenta reconciliar sus propias y difíciles decisiones con los demonios de su pasado.

A partir de un guion mordaz y bien tramado de Nora Garrett, y con la ayuda de un elenco que también incluye a Chloë Sevigny como Kim, colega de Alma, Guadagnino desentraña en "Caza de brujas" una auténtica provocación sin respuestas fáciles, indagando dónde reside nuestro verdadero yo cuando cada decisión que tomamos se somete a la opinión pública. Su ausencia en la competición del Festival de Venecia 2025 (sí que está fuera de concurso) deja dudas sobre el papel que jugará una película que ya se ha comparado con títulos del calibre de “La duda” (2008) y “TÁR” (2022) y que supone el primer guión cinematográfico de Nora Garrett que plasma el impacto del #MeToo en la sociedad de hoy en general y en las relaciones entre hombres y mujeres en especial. 

16º “Avatar: Fuego y ceniza” (James Cameron) // 20th Century Studios

Realmente la Academia puede estar ya algo saturada de la proeza de James Cameron que volverá estas Navidades a las pantallas tras el fenómeno cultural de la primera entrega (3 Oscar de 9 nominaciones en 2010) y el recibimiento frío de la segunda entrega (1 Oscar de 4 nominaciones en 2023). El mundo ha cambiado en todo este tiempo, el cine comercial también, y la saturación del cine de este tipo va haciendo mella en las salas. Aun así todo lo que rodea a James Cameron siempre se ha visto como un acontecimiento así que no interesa apostar en contra de esta cinta que, salvo sorpresa, bien podría seguir menguando su presencia en los Oscar y quedarse fuera de las diez películas más nominadas.

"Avatar: Fuego y ceniza" presenta al Pueblo de las Cenizas, un clan Na'vi no tan pacífico que utilizará la violencia si lo necesita para conseguir sus objetivos, aunque sea contra otros clanes, y desde luego no faltarán Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver y Stephen Lang. Y esto no ha hecho más que empezar teniendo en cuenta que, al menos, hay aseguradas dos entregas más.

17º “The smashing machine” (Benny Safdie) // A24

"The smashing machine" es el primer trabajo en solitario en la dirección de Benny Safdie con Dwayne Johnson dando vida al luchador Mark Kerr, figura clave en el origen de la UFC, que retrata su meteórico ascenso y caída en el brutal mundo de las artes marciales mixtas, al que se enfrentó con coraje y el apoyo incondicional de su mujer, Dawn Staples (Emily Blunt). Una vida llena de ambición y sacrificio del que fue dos veces campeón de este torneo.

El cambio de registro y físico de Dwayne Johnson es el gran aliciente de una cinta que podría suponer ese título que siempre encumbra a un actor no destinado en teoría a disfrutar del sabor de la carrera de premios (tal ha sido el caso en años anteriores de Mickey Rourke o Demi Moore). También para una Emily Blunt que tras conseguir al fin su primera nominación gracias a "Oppenheimer" podría volver a ser tenida en cuenta. A24 está detrás de la historia de un personaje que ya fue retratado en el documental del mismo título dirigido por John Hyams en 2002.

18º “Is this thing on?” (Bradley Cooper) // Searchlight Pictures

Casi de la nada sale “Is this thing on?”, tercer largometraje como director de Bradley Cooper que se ha ganado ser el cierre de la 63ª edición del Festival de Nueva York a celebrar entre el 26 de septiembre y el 13 de octubre de 2025. Palabras mayores si tenemos en cuenta que las dos anteriores cintas de Bradley Cooper (“Ha nacido una estrella” y “Maestro”) fueron nominadas al Oscar.

Will Arnett y Laura Dern interpretan a Alex y Tess Novak, cuyo matrimonio ha llegado a un punto muerto. Con un dolor amistoso, la pareja (padres de dos niños pequeños) acuerda separarse. Sin embargo, su separación conduce a impredecibles reflexiones sobre sí mismos en la mediana edad, más dramáticamente en el alocado giro profesional de Alex para convertirse en un comediante de stand-up confesional en el West Village de la ciudad de Nueva York, donde encuentra un nuevo rumbo y sentido de la camaradería. Un estudio sobre el desencanto de la mediana edad que habrá que ver si prosigue la buena relación de Bradley Cooper con los Oscar (al menos a nivel de nominaciones).

19º “Blue moon” (Richard Linklater) // Sony Pictures Classics

Richard Linklater se ha marcado una buena temporada festivalera presentando “Blue moon” en el Festival de Berlín y “Nouvelle Vague” en el Festival de Cannes. Dos chutes de nostalgia artística sobre dos hechos que fueron punto de inflexión para toda una época y que no hacen más que demostrar la polivalencia y febril actividad de un espíritu creativo, libre, melancólico y romántico ya que todos sus proyectos se abordan con un cariño especial que le hacen ser experiencias únicas. Aunque la baza de Richard Linklater parece estar este año en "Nouvelle Vague" no hay que descartar a una opción que sobre todo ha sido destacada en el apartado interpretativo (Andrew Scott consiguió premio en el Festival de Berlín).

Richard Linklater dirige a su actor fetiche Ethan Hawke (es su novena colaboración conjunta) en “Blue moon”, cinta que se basa en la historia real del letrista Lorenz Hart, responsable de la letra de la emblemática canción que da título a la película y de tantos otros temas que han perdurado de esa época, cuya carrera quedó destrozada por culpa de su dependencia del alcohol y sus propios traumas, siendo lo más notorio su ruptura con el compositor Richard Rodgers (tras una colaboración de 25 años desde que ambos se conocieran en la Universidad de Columbia en 1918 y en la que crearon un inagotable catálogo) quien alcanzó la gloria gracias al musical “Oklahoma!” junto al libretista Oscar Hammerstein II. Es en la noche de estreno de esta obra cuando se ambienta una cinta de herencia teatral y espíritu creativo.

20º “The testament of Ann Lee” (Mona Fastvold) // Sin distribución USA

Tras ser candidata como coguionista por "The brutalist", Mona Fastvold presenta su nueva cinta, "The testament of Ann Lee, la cual coescribe junto a Brady Corbert y que tiene a Amanda Seyfried como la líder religiosa fundadora del movimiento Shaker a finales de la década de 1770, llegando a construir una de las sociedades utópicas más grandes de la historia de Estados Unidos. Los seguidores de Lee la consideraban el Jesucristo femenino, y sus fieles le rezaban cantando y bailando.

Amanda Seyfried es la gran baza de una película que todavía no tiene distribución en USA pero que espera conseguirla tras su paso por los certámenes de Venecia y Toronto siendo sobre el papel uno de los proyectos más estimulantes e impredecibles de la temporada.

21º “Si pudiera, te daría una patada” (Mary Bronstein) // A24

Rose Byrne deslumbró en el Festival de Berlín de 2025 con “Si pudiera, te daría una patada”, todo un “tour de force” bajo las órdenes de la directora, guionista y actriz Mary Bronstein y que pasa a integrar el catálogo de cintas tan sugerentes como malrolleras a las que nos tiene acostumbrados A24.

Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta. Una mirada tan lúgubre como mordaz sobre la maternidad contemporánea que puede suponer el definitivo foco mediático a nivel de premios para una actriz infravalorada que mereció mejor suerte en sus trabajos en las comedias “La boda de mi mejor amiga” (2011) o “Espías” (2015) pero que también ha dejado patente su talento para el drama.

22º “Nuremberg” (James Vanderbilt) // Sony Pictures Classics

“Nuremberg” es un thriller histórico dirigido y escrito por James Vanderbilt que adapta el libro “El nazi y el psiquiatra” de Jack El-Hai y que tendrá su puesta de largo en el Festival de Toronto 2025 contando con Russell Crowe y Rami Malek como protagonistas.

Tras el fin de la II Guerra Mundial, con ocasión de los cruciales juicios de Nuremberg de los Aliados contra el derrotado régimen nazi, el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Malek), encargado de determinar si los prisioneros oficiales nazis son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra, se ve inmerso en una compleja batalla de ingenio con Hermann Göring (Crowe), mano derecha de Hitler.

23º “Song sung blue” (Craig Brewer) // Focus Features

Lightning and Thunder, una banda tributo a Neil Diamond formada por un matrimonio de Milwaukee, experimenta un gran éxito y un desamor devastador en su viaje musical juntos. El director de cintas como "Hustle & Flow" (2005), "Black snake moan" (2006), "Footloose" (2011), "Yo soy Dolemite" (2019) o "El rey de Zamunda" (2021) está de vuelta con el que puede ser un gozoso recorrido musical bañado de encanto, amargura e insatisfacción contando con la baza de sus actores (Kate Hudson y Hugh Jackman).

Dos intérpretes que ya han sabido asumir retos canoros y que si la película se convierte en un visionado gozoso puede terminar teniendo recorrido, sobre todo desde el punto de vista del académico USA, en este homenaje indirecto a la figura del autor del mítico tema Sweet Caroline.

24º “Anemone” (Ronan Day-Lewis) // Focus Features

Daniel Day-Lewis sale de su segundo retiro (ya tuvo esa intención tras “The boxer” en 1997) en “Anemone”, cinta con la que vuelve a las pantallas ocho años después con la aureola de mejor actor vivo (aunque sólo sea por el aval de sus 3 Oscar como protagonista) y dando un impulso de atención (que sin él no tendría) a la película dirigida por su propio hijo, Ronan. Padre e hijo escriben el guión de la cinta que supone una exploración de las intrincadas relaciones entre padres, hijos y hermanos, así como de la dinámica de los vínculos familiares. Cuando Daniel Day-Lewis se decide a salir de la cueva hay que prestarle atención de manera obligatoria ante la efectividad de una carrera que casi sale a nominación por película.

La película, ambientada en el norte de Inglaterra, comienza con un hombre de mediana edad (Sean Bean) que parte de su hogar en las afueras en un viaje al bosque, donde se reencuentra con su hermano ermitaño (Daniel Day-Lewis), del que se había distanciado. Unidos por un pasado misterioso y complejo, marcado por recuerdos de violencia de los años como soldado, los hombres comparten una relación tensa, aunque a veces tierna, que se vio alterada para siempre por acontecimientos devastadores ocurridos décadas atrás. 

25º “Una batalla tras otra” (Paul Thomas Anderson) // Warner Bros. Pictures

Si hay un gran director con el que Leonardo DiCaprio no había trabajado todavía (estuvieron cerca de hacerlo en "Boogie nights" hace casi tres décadas) ese no es otro que Paul Thomas Anderson que se ha ganado el estatus para que cada película suya sea recibida como un acontecimiento. La espera se ha hecho larga desde "Licorice pizza" (2021) pero el celebrado director no ha parado de aumentar su faceta en el terreno de videoclips encargándose a lo largo de los años de algunos de los dedicados a Fiona Apple, Joanna Newsom, Radiohead, Haim o The Smile.

Ni la fecha de estreno ni los avances hacen mantener muchas esperanzas sobre las posibilidades de "Una batalla tras otra" en materia de premios pero siempre hay que estar atento a un Paul Thomas Anderson que suma 11 nominaciones sin Oscar. Lo mismo se puede decir de un Leonardo DiCaprio que suele ser muy selectivo con su carrera y que no se mete en proyectos banales intrascendentes. En todo caso, salvo sorpresa, la única baza de Warner Bros. para esta carrera de premios va a ser "Los pecadores".

26º “Hedda” (Nia DaCosta) // Amazon MGM Studios

"Hedda" es una reinvención contemporánea de la obra homónima del dramaturgo noruego Henrik Ibsen de 1891 sobre una mujer que navega por una casa que no quiere, un matrimonio en el que se siente atrapada y un ex amante que ha reaparecido en su vida. Nia DaCosta dirige y escribe esta adaptación tras las buenas sensaciones de "Candyman" (2021) y el fiasco económico de "The Marvels" (2023). Tessa Thompson es la protagonista tras ya protagonizar el debut de la directora, “Little Woods (Crossing the line)” (2018), integrando un reparto compuesto por Tom Bateman, Nina Hoss, Imogen Poots y Nicholas Pinnock en el que vemos en el avance que apartados como el diseño de producción y el vestuario tienen oportunidad de lucirse.

Una historia sobre la confrontación entre el dolor persistente de un amor pasado y la silenciosa asfixia de una vida presente que cuenta con la música de Hildur Guðnadóttir y la fotografía de Sean Bobbitt. Amazon MGM Studios tiene en esta cinta una de sus mayores bazas con Tessa Thompson y Nina Hoss como ese tipo de actriz que lleva ya tiempo rozando la nominación. 

27º “El beso de la mujer araña” (Bill Condon) // Lionsgate

“El beso de la mujer araña” cobra visos de nuevo en el cine en la adaptación del musical de Broadway estrenado en 1992 y que fue creado por Terrence McNally con música y letra de John Kander y Fred Ebb partiendo de la novela del argentino Manuel Puig que dio lugar a la recordada versión cinematográfica de 1985 a cargo de Héctor Babenco que le valió el Oscar al mejor actor a William Hurt. El montaje de Harold Prince ganó 7 premios Tony (de 11 nominaciones) en el año 1993 en categorías como mejor musical, actor (Brent Carver), actriz (Chita Rivera) y actor de reparto (Anthony Crivello).

Bill Condon es el encargado de dirigir esa fusión de musical, thriller y cine negro volviendo al género que le dio réditos en "Dreamgirls" (2006) y "La bella y la bestia" (2017) con claras referencias estéticas al "Cabaret" (1972) de Bob Fosse. Diego Luna, Tonatiuh y Jennifer Lopez en una cinta que puede ser una nueva muesca en el ataúd en clave de premios de un Bill Condon que ha visto como su carrera no ha terminado de estar a la altura de las expectativas tras el Oscar al guión adaptado por "Dioses y monstruos" en 1999 y la nominación en este mismo apartado por "Chicago" en 2003.

28º “Maldita suerte” (Edward Berger) // Netflix

"Maldita suerte" es el nuevo trabajo de un Edward Berger que, tras una discreta carrera en Alemania, ha irrumpido en el panorama cinematográfico de los últimos años con “Sin novedad en el frente” (2022) y "Cónclave" (2024). Una cinta bajo el amparo de Netflix que hay que tener en cuenta aunque parece que vaya a ser la quinta opción del Estudio de cara a la carrera de premios. No podemos obviarla teniendo en cuenta las dos nominaciones previas a mejor película para un Edward Berger que da la impresión de que en ambas no se quedó muy lejos de poder hacerse con la estatuilla a pesar de que ni por el drama bélico ni por el enredo vaticano fue considerado en mejor dirección.

Lord Doyle (Colin Farrell) se esconde en Macao huyendo de su pasado, donde malgasta sus días y noches entre juegos de azar y alcohol, arriesgando el poco dinero que aún le queda. Asfixiado por unas deudas que se multiplican día a día, recibe una oferta inesperada de Dao Ming (Fala Chen), una misteriosa empleada del casino dispuesta a jugar sus propias cartas. Pero Doyle no está solo en su huida. La detective privada Cynthia Blithe (Tilda Swinton) lo sigue de cerca y no duda en obligarle a encarar aquello de lo que pretende huir. 

29º “Weapons” (Zach Gregger) // Warner Bros. Pictures

“Weapons” es una buena muestra de que en el género de terror hay todavía cosas interesantes que decir como han demostrado también este año los hermanos Philippou en "Devuélvemela" y acreditan película a película nombres como Ari Aster, Jordan Peele, Robert Eggers u Oz Perkins. Un gran año para el género ya que además de la mencionada hay que poner en un lugar alto a "28 años después" y "Los pecadores". Una locura muy original y tan sugerente como desconcertante que es un fiero azote a la violencia congénita de una sociedad como la de Estados Unidos en la que cada año se cuentan por miles y miles los muertos por armas de fuego pero también campan a sus anchas el "bullying" en las escuelas o la poca confianza que genera un estamento policial demasiado dado a la brutalidad y a aplicar la ley del más fuerte. 

Una película imprevisible que ha supuesto toda una revelación estando su baza no sólo en el guión y en un reparto en estado de gracia que hace brillar a sus personajes sino también en una puesta en escena que contribuye a esa sensación permanente de tener que estar alerta en un híbrido entre la amenaza y la paranoia a partir de ingredientes y referencias propias de maestros de las últimas décadas así como de una evidente influencia del cine surcoreano. Una cinta que oposita para ser un clásico moderno del género siendo ya obra cumbre del terror contemporáneo, el cual hace tiempo demostró que sólo necesitaba nuevas voces que aportaran inteligencia, personalidad y crítica social tirando de frescura, riesgo y generando entre inquietud, incomodidad y confusión para así volver a jugar con esos miedos que nos acompañan y se trasladan de generación en generación.

30º “F1: La película (Joseph Kosinski) // Paramount Pictures

“F1: La película” es una adrenalínica cinta que termina siendo un “product placement” a toda velocidad para mayor gloria de todo lo que rodea a la Fórmula 1. 300 millones de dólares para esta apuesta de Warner Bros. y Apple TV+ ambientada en un mundo de escuderías, pilotos, circuitos, velocidad, rivalidad, épica y superación del que Hollywood ya ha dejado muestras en las últimas décadas. La incógnita será saber si el verdadero éxito del verano (la mejor parada en un año sin grandes fiascos pero tampoco enormes taquillazos) puede seguir la senda de "Top Gun: Maverick" (también de Kosinski) que se fue hasta las 6 nominaciones (incluyendo mejor película).

Entretenida y vigorosa pero formularia y demasiado pegada al publirreportaje sobre cualquier mérito artístico que no va más allá de pretender ser una gozosa evasión en pantalla grande reivindicando la experiencia en salas aunque sea a costa de una película incapaz de dejar algo de alma o trascendencia. Los Oscar siempre suelen fijarse en ello así que, aunque sea desde una posición rezagada, no conviene dejarla de lado.

Nacho Gonzalo