Conexión Oscar 2020: Las 30 películas que inician la carrera

Conexión Oscar 2020: Las 30 películas que inician la carrera

1 Sarcofago2 Sarcofagos3 Sarcofagos4 Sarcofagos5 Sarcofagos (4 votos, media: 4,50 de 5)
Cargando…

Deja tu comentario >>

Querido Teo:

Un año más toca iniciar la carrera al Oscar 2020 porque antes de que nos queramos dar cuenta la habitualmente larga temporada de premios se nos habrá esfumado entre las manos ya que este año la Academia fijó para su ceremonia la fecha del 9 de Febrero lo que ha provocado que el resto de galas tengan también que adelantarse como si fueran una fila de fichas de dominó. El 13 de Enero de 2020 conoceremos a los nominados y vamos a ver con qué nos sorprenden este año después de los continuos tumbos de hace unos meses a la hora de planificar la ceremonia y el criticado triunfo de “Green book” frente a “Roma” como los dos enfrentados exponentes del sistema de distribución actual. Durante estos meses de hiato las principales novedades ha sido el habitual anuncio de los Oscar honoríficos (se entregarán el 27 de Octubre) y la proclamación de David Rubin como nuevo presidente de la Academia.

1º “1917” (Sam Mendes)

“1917” es una de esas películas que tiene el marchamo de película de Oscar por todos sus poros siendo la gran oportunidad para que Mendes vuelva a un terreno de premios que le ha ninguneado desde que con su alabada ópera prima, “American beauty”, se llevara 5 Oscar en la ceremonia del año 2000 en las categorías de película, director, actor, guión original y fotografía. Ni “Camino a la perdición” en 2003 (sólo materializó el premio a mejor fotografía) ni “Revolutionary Road” en 2009 (el intenso drama de pareja sólo tuvo 3 nominaciones) han hecho justicia a la carrera de un director que, en cambio, donde sí está encontrando el reconocimiento unánime es en el teatro, habiéndose hecho este año con el premio Tony gracias a la obra “The ferryman”.

Un drama bélico rodado en (falso) plano secuencia que promete ofrecernos una experiencia auténticamente asombrosa. El guión, firmado por el propio Mendes y Krysty Wilson-Cairns (guionista de la serie “Penny Dreadful”), nos cuenta la historia de dos soldados en la Primera Guerra Mundial que tendrán que llevar a cabo una misión a lo largo de un único día y que consistirá en sobrepasar a las tropas enemigas para entregar un mensaje que, de no ser entregado, supondría la muerte de 16.000 soldados, incluyendo el hermano de uno de los protagonistas. Universal Pictures y Dreamworks (cuarta vez que ésta última tiene bajo su manto a una película que cuenta en su apartado técnico con Roger Deakins (fotografía), Lee Smith (montaje), Thomas Newman (música), Dennis Gassner (diseño de producción) y Jacqueline Durran (vestuario). Los mejores para uno de esos proyectos que sólo tienen en contra apostar por un estilo de cine que, por muy excelso que sea, para algunos parece tradicional y caduco, especialmente para una Academia que cada vez más pretende alejarse de lo obvio y grandilocuente.

2º “The irishman” (Martin Scorsese)

Tras quedarse con cierto sabor agridulce con los 3 Oscar conseguidos por “Roma” (y es que la cinta de Cuarón no pudo alzarse finalmente con el premio a mejor película), Netflix pretende poner este año toda la carne en el asador con “The irishman”, el acariciado proyecto de Martin Scorsese al que salió al rescate la plataforma cuando Paramount se desligó ante su alto coste debido al condicionamiento técnico que implicaba la caracterización de los personajes. Ver juntos a Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci y Harvey Keitel en una película de mafiosos dirigida por el realizador de “Taxi driver” y “Uno de los nuestros” ya merece toda la atención esta carrera.

“The irishman” tiene como protagonista a Frank Sheeran, un veterano de la II Guerra Mundial que trabajará como matón a sueldo de la mafia Pennsylvania, al que se le atribuyeron 25 asesinatos, entre ellos la muerte de Jimmy Hoffa, jefe del sindicato de camioneros durante los años 50 y 60, por orden del jefe mafioso Russell Bufalino. La película se basa en el libro de Charles Brand, “I heard you paint houses”, y del guión se encarga Steven Zaillian, responsable de “La lista de Schindler” y “Gangs of New York”, narrando los entresijos de las organizaciones criminales relacionadas con la mafia y siendo destacable las técnicas de ILM que se han llevado a cabo para rejuvenecer a los actores como lucían en los 70 al abarcar la historia más de tres décadas. La película tendrá su premiere mundial en el Festival de Nueva York y en el caso de nominación como mejor director sería la novena para un Scorsese que se pondría segundo en la clasificación histórica sólo por detrás de las 12 nominaciones de William Wyler.

3º “Harriet” (Kasi Lemmons)

Siguiendo la senda de las películas nominadas que han tratado el tema de la discriminación de la raza negra a lo largo de la Historia de Estados Unidos, llega “Harriet”, la historia de Harriet Tubman, un símbolo en contra de la esclavitud siendo toda una luchadora por la libertad de los afroamericanos, escapando de su situación y realizando 13 misiones de rescate en las que liberó a cerca de 70 esclavos​ utilizando la red antiesclavista conocida como Ferrocarril Subterráneo. Siguiendo en ocasiones la ruta del medio locomotor, logró llegar a la llamada línea Mason-Dixon, que dividía a los Estados de Virginia y Pennsylvania, es decir, el Sur esclavista y el Norte abolicionista, llegando a Philadelphia en 1849 donde encontró trabajo y rehízo su vida pero, siendo consciente de la situación que vivían otros como ella, se alió con el movimiento abolicionista creando una estructura llamada Ferrocarril Subterraneo, una red clandestina formada por un grupo de personas de distinto color pero misma convicción en la segunda mitad del siglo XIX con el fin de ayudar a escapar a los esclavos negros de las plantaciones.

Un icono de valentía, lucha frente a la injusticia, solidaridad y reivindicación por los derechos de uno como persona que será interpretado ahora por Cynthia Erivo (ganadora del Tony en 2016 por “El color púrpura”) después de que la actriz Cicely Tyson ya la encarnara en el telefilm “A woman called Moses” (1978). Dirige y escribe Kasi Lemmons teniendo como hándicap lo que ya le pasó a “El nacimiento de una nación” en 2017 (aunque en esa ocasión la cinta de Nate Parker tuvo otras polémicas centradas en el pasado de su director) y es recordar demasiado a “12 años de esclavitud”, la ganadora del Oscar en 2014.

4º “Historia de un matrimonio” (Noah Baumbach)

Hay directores para los que parece cuestión de tiempo que los Oscar se fijen en ellos. Nombres claves del cine contemporáneo que necesitan la película concreta para, a partir de ahí, ser tenidos en cuenta. Algo como lo que le pasó a un Wes Anderson que con “El Gran Hotel Budapest” se hizo con 9 nominaciones (y 4 premios) en la edición de 2015. Puede ser el turno de un Noah Baumbach que es el único que con su película estará este año en los Festivales de Venecia, Telluride, Toronto y Nueva York.

El director, que fue uno de los mayores exponentes del llamado cine “indie” de los primeros años de lo que llevamos de siglo, presenta “Historia de un matrimonio” que ya por el título tiene cierto homenaje al cine de Bergman y a sus dramas filosóficos y teatrales de pareja (especialmente “Persona”) pero también otros como “La comedia de la vida” (1934) y “Ser o no ser” (1942). Una cinta en la que vuelve a explorar el divorcio (como hizo brillantemente en “Una historia de Brooklyn” en 2005) y volviendo a estar bajo el manto de Netflix (tras “The Meyerowitz stories” en 2017). Una cinta en la que los hijos y las inquietudes artísticas de cada uno de los personajes, ella es actriz y él director de cine, entorpecen una relación que no ha sido tan dulce y satisfactoria como se esperaba y que, según las malas lenguas, se inspira en la propia relación del director con la actriz Jennifer Jason Leigh. En el reparto encontramos a Adam Driver, Scarlett Johansson, Laura Dern, Alan Alda, Merritt Wever, Ray Liotta y Wallace Shawn.

5º “Érase una vez en… Hollywood” (Quentin Tarantino)

Poco se puede decir ya a estas alturas de “Érase una vez en… Hollywood” de Quentin Tarantino. Acontecimiento en el Festival de Cannes y no menos evento en su paso por las carteleras españolas donde el director tiene siempre mucho tirón contando, además, en este caso con dos de las últimas estrellas de nuestro tiempo, Leonardo DiCaprio y Brad Pitt. De las 8 películas anteriores del director tres se hicieron con la nominación a mejor película (“Pulp fiction” en 1995, “Malditos bastardos” en 2010 y “Django desencadenado” en 2013. Con su novena cinta (en principio la penúltima de su filmografía si se cumplen los planes del director) podría volver a conseguirla y, quién sabe, si también su tercer Oscar al mejor guión original tras los cosechados por “Pulp fiction” y “Django desencadenado” lo que le haría empatar en esa categoría con el mismísimo Woody Allen.

Más que ante una película de Oscar para Tarantino estamos ante un imperfecto entretenimiento de un director que se nota que se lo pasa en grande con un sinfín de referencias y haciendo su particular viaje en el tiempo dando un paseo por las calles de la California del verano de 1969 en un momento de inflexión entre lo nuevo y lo antiguo en el que fue el verano del principio del fin para el sueño hippy ante los asesinatos cometidos por los pupilos de Charles Manson. Además de todo lo que rodea a la película y a Tarantino, mientras los detractores echan de menos a su habitual y añorada montadora Sally Menke, el personaje de Cliff Booth de Brad Pitt, un ejemplo de tío molón, coloca al actor en buena posición para sumar una nueva candidatura para un actor de reparto de Tarantino tras Samuel L. Jackson por “Pulp fiction”, Robert Forster por “Jackie Brown” y Christoph Waltz tanto por “Malditos bastardos” como por “Django desencadenado” (en ambos casos con premio).

6º “The report” (Scott Z. Burns)

El thriller político, heredero del cine de los 70, ha vuelto a recobrar importancia en un buen número de películas, sobre todo auspiciado por los mandatos presidenciales de nombres como Bush o Trump y precisamente durante los años de poder del primero, y con toda la psicosis y la llamada Guerra del Terror tras los ataques del 11-S, llega “The report” de Scott Z. Burns en una de esas cintas que harían las delicias del tándem formado por Kathryn Bigelow y Mark Boal. Aquí es el guionista de “El ultimátum de Bourne” el que ha asumido el reto contando con la producción de Steven Soderbergh.

La cinta cuenta el programa de interrogatorios que la CIA llevó adelante después del 11 de Septiembre del 2001, con algunas prácticas extremas e inhumanas desveladas en documentos desclasificados por el Senado estadounidense y su Comité de Inteligencia el 9 de Diciembre de 2014. Todo intentando justificarse en esa llamada “Guerra contra el Terror” encabezada por la administración de George W. Bush utilizándolo como excusa para invadir países y aprovecharse del negocio e intereses detrás de un conflicto bélico. Adam Driver dirige la investigación que intenta destapar la verdad de lo que hay detrás de ese programa de la CIA que buscaba información y confesiones a cualquier precio, aunque eso implicara la mayor tortura posible aplicada a los detenidos y sospechosos. Es una adaptación del libro de Sid Jacobson publicado en 2017 y Amazon se hizo con sus derechos en el Festival de Sundance por 14 millones de dólares.

7º “A hidden life” (Terrence Malick)

Catedralicio es el mejor adjetivo posible para la película de Terrence Malick que, a pesar de que salió sin premio del palmarés del Festival de Cannes, fue una de las grandes películas de la cosecha de este año. El director vuelve a un cine más narrativo, pero con una gran importancia del lirismo y de la religión con un hombre ante la inmensidad del destino, la fe y el mundo que le rodea, en “A hidden life”, cinta que debería de tener ya adjudicadas las nominaciones en dirección, fotografía y música ante la magnitud de lo que ofrece Malick en estos apartados.

“A hidden life” nos cuenta la historia de Franz Jägerstätter, un campesino austriaco que se declaró objetor de conciencia ante los nazis cuando llegaron a su pueblo en 1938 siendo condenado a muerte por el Tercer Reich por tal desobediencia siendo declarado mártir en 2007 y contando su historia a través de las cartas y relación mantenidas con su mujer, que tuvo que ser la que levantara a su familia combatiendo la ausencia de su marido y el rechazo de sus vecinos que, obnubilados por el nazismo, acusaban al campesino de traidor. Una mirada distinta sobre la II Guerra Mundial a través de la épica cotidiana de un hombre a través de la fe y sus convicciones y narrado de una manera mucho más épica, accesible y ambiciosa que la existencial “La delgada línea roja” (1998). Una película inabarcable, bellísima y monumental que cuenta como baza con la insuperable fotografía de Jörg Widmer, sacando todo el partido a la luz natural de los Alpes austriacos, y la brillante y envolvente banda sonora de James Newton Howard.

8º “Joker” (Todd Phillips)

¿Conseguirá la cinta de Warner lo que no logró “El caballero oscuro” y fomentó que se ampliara el número de nominadas a partir de la edición de 2010? Tras el Oscar conseguido por Heath Ledger en su encarnación del villano por antonomasia de Batman parecía que estaba todo contado sobre el personaje pero el proyecto no ha hecho más que crecer en interés ante los implicados en la cinta de Todd Phillips con Joaquin Phoenix a la cabeza y con las comparaciones con la trilogía de superhéroes de M. Night Shyamalan, “Réquiem por un sueño” de Darren Aronofsky o dos cintas de Scorsese como “Taxi driver” y “El rey de la comedia”.

“Joker” nos lleva a los orígenes del personaje en un retrato oscuro y psicológico siendo representado como un cómico fracasado que ante su frustración acaba acariciando el mal y la perversión con la ambientación musical y amarga del Smile de Charles Chaplin en su trailer y que sirve para homenajear a ese origen que tiene el personaje en el mundo del espectáculo. El que vaya a competición en el Festival de Venecia y que también pase por el Festival de Toronto no hace más que acrecentar las sensaciones de que estaremos ante una gran película.

9º “Parasite” (Bong Joon-ho)

La ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes 2019, “Parasite”, aspira a ser la primera película de Corea del Sur en ser candidata en la categoría al Oscar de mejor película internacional pero teniendo en cuenta que la Academia cada vez está más abierta al cine de otras nacionalidades no sería de extrañar que la película también tuviera posibilidades en la categoría reina contando con el fuerte apoyo de Sony Pictures Classics en la distribución.

Al igual que en “Mother” y “The host” el director Bon Joon-ho vuelve al microcosmos familiar mostrando la sorprendente realidad del entorno en el que vivimos. Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo, empieza a dar clases particulares en casa de Park, las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles. Apostar por el surcoreano en la categoría de mejor director no es nada descabellado.

10º “The farewell” (Lulu Wang)

“The farewell” se ha convertido en uno de los fenómenos de la temporada de primavera y verano en Estados Unidos ocupando hueco en muchos medios aprovechándose de la ausencia de títulos de relumbrón. Una cinta que está generando runrún desde que se vio en el Festival de Sundance y que está escrita y dirigida por Lulu Wang en una comedia amarga de orígenes familiares y choque cultural centrándose en una familia china que vive en Nueva York.

Una mirada al universo familiar a través de una reunión familiar organizada como farsa como homenaje encubierto a la abuela que está enferma de cáncer de pulmón pero que ella todavía no lo sabe. Humanidad, sentimiento y humor negro para esta cinta que tiene como protagonista a Ankwafina, una presencia cada vez más habitual en el Hollywood de hoy en día.

11º “Mujercitas” (Greta Gerwig)

Hay historias que por mucho que sean contadas siempre guardan el encanto de la primera vez y sólo las elegidas pueden perpetuarse a través del tiempo y la voz de autores de distintas generaciones. Lo hemos visto hace unos meses con “Ha nacido una estrella” habiendo ya cuatro películas (oficiales) sobre esa historia de amor, fama, dependencia, auge y caída y ahora es el turno de “Mujercitas”, la novela de Louisa May Alcott que ha visto numerosas adaptaciones en cine, televisión e incluso radioteatro y que van desde la película de George Cukor en 1933 hasta la miniserie de la BBC en 2017. El despertar a la vida de las hermanas March, con el contexto histórico del peso de la religión, la tradición, los lazos familiares y la Guerra de Secesión entre 1861 y 1865, cuenta ahora con Greta Gerwig como directora y guionista en la que es su segunda cinta detrás de las cámaras (tras su alabada “Lady Bird”) y con el aval de un reparto de campanillas.

El gran aliciente de esta película no es otro que el reparto que ha logrado aunar la directora que promete imprimir su estilo “millennial” y refrescante a un clásico siempre eterno y con analogías sobre nuestro tiempo y el papel de la mujer en la sociedad. Las cuatro hermanas están interpretadas por Saoirse Ronan (Jo), Emma Watson (Meg), Florence Pugh (Amy) y Eliza Scanlen (Beth) estando acompañadas por Laura Dern (Marmee March), Meryl Streep (la tía March), Timothée Chalamet (Laurie), Chris Cooper, Bob Odenkirk, James Norton y Louis Garrel. Y atención también al apartado musical con Alexandre Desplat dispuesto a darnos otra de sus grandes composiciones. Sólo la primera versión consiguió la nominación a mejor película en 1934, ¿qué ocurrirá con la cinta de Gerwig?

12º “A beautiful day in the neighborhood” (Marielle Heller)

Fred Rogers fue un educador, ministro presbiteriano, compositor, autor y presentador de televisión estadounidense, conocido por ser el creador y presentador del programa de televisión “Mister Rogers’ neighborhood” (1968-2001). Un icono de la televisión infantil y de la sociedad USA difundiendo buenos valores y un mensaje de aceptación a través de su programa. La cinta se centrará en las conversaciones y relación con el periodista Tom Junod dispuesto a desenmascarar al personaje pero que acaba fascinado por su carácter, buen hacer y personalidad.

Marielle Heller viene de haber dirigido la ácida “¿Podrás perdonarme algún día?” (que le brindó nominaciones a sus actores Melissa McCarthy y Richard E. Grant) y en “A beautiful day in the neighborhood” Tom Hanks se mete en la piel del legendario Fred Rogers en un papel que habrá que ver si le devuelve a unos Oscar que no le han tenido como nominado desde “Naufrago” en 2001. Atención a Matthew Rhys que en el papel de Junod podría seguir la senda de esos actores de reparto que tienen casi la nominación asegurada por trabajar al lado de Hanks (Gary Sinise, Ed Harris, Michael Clarke Duncan, Paul Newman, Christopher Walken, Philip Seymour Hoffman, Max Von Sydow, Barkhad Abdi y Mark Rylance).

13º “Ad Astra” (James Gray)

“Ad Astra” nos cuenta la historia de Roy McBride, un ingeniero de las fuerzas especiales que se embarca en un viaje a través de la galaxia para descubrir la verdad sobre su padre, desaparecido en el espacio 20 años atrás y dado por muerto, aunque existen especulaciones de que se encuentra viviendo en una estación abandonada en un lejano planeta y podría suponer una amenaza para todo el universo, algo que le hará ir en búsqueda de un enigma para la supervivencia del planeta.

El nunca bien ponderado James Gray cambia de género y se pasa al drama espacial con tintes existencialistas en una cinta que cuenta con dos garantías en la parte técnica como la fotografía de Hoyte Van Hoytema (“Interstellar”) y la música de Max Richter (“The leftovers”). Además, Brad Pitt como protagonista en un gran año para su carrera y en la particularidad de que cintas ambientadas en el espacio como “Gravity” y “Marte” se hicieron con la candidatura en los últimos años.

14º “Le Mans 66” (James Mangold)

Las cintas de enfrentamientos entre figuras del deporte como “Rush” (2013) o “Borg/McEnroe” (2017) no terminaron de funcionar en la carrera de premios pero eso podría cambiar en la cinta ambientada en el mundo del automovilismo y con Ford y Ferrari como nombres icónicos enfrentados.

La película está protagonizada por Matt Damon y Christian Bale quienes dan vida, respectivamente, al ingeniero Carroll Shelby y el piloto Ken Miles y que recibieron el encargo de Henry Ford II para romper el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo. Un film que narra la rivalidad entre la casa Ford y la casa Ferrari para ser los primeros en vencer en la carrera de resistencia de Le Mans en 1966. Por el momento la única nominación de James Mangold ha sido por “Logan” en 2018 en mejor guión adaptado siendo “En la cuerda floja” la cinta que mayor presencia tuvo en los Oscar con sus 5 nominaciones en 2006.

15º “Just mercy” (Destin Daniel Cretton)

Destin Daniel Cretton rueda su tercera película con Brie Larson tras “Las vidas de Grace (Short Term 12)” y “El castillo de cristal”. En “Just mercy”, en cambio, no se centra en ella como protagonista sino en el abogado Bryan Stevenson (al que interpreta Michael B. Jordan) y su histórica batalla por la justicia. Después de licenciarse en Harvard, Bryan pudo haber optado a puestos muy bien remunerados. En cambio, se mudó a Alabama para defender a negros encarcelados injustamente. Bryan se ve envuelto en un laberinto de maniobras legales y políticas y un racismo preponderante mientras lucha por la justicia y los derechos civiles.

Poco más se sabe de una cinta que tiene como principal opción de Oscar a un Michael B. Jordan, uno de los actores del momento, que como heredero de Denzel Washington está rozando su primera nominación al Oscar con los dedos aunque no haya llegado todavía ni por “Creed” ni por “Black Panther”. Unas buenas críticas en los certámenes de otoño serían fundamentales para que creciera la visibilidad de la película.

16º “Judy” (Rupert Goold)

Al igual que Annette Bening dando vida a una Gloria Grahame en declive en la recomendable “Las estrellas de cine no mueren en Liverpool”, Renée Zellweger hace lo propio con Judy Garland que, a pesar de mantenerse en los focos hasta el final de sus días, sufrió los peajes de una vida marcada por las inseguridades, los abusos y las adicciones. El biopic dirigido por Rupert Goold (“Una historia real”) y basado en la obra “End of the rainbow” de Peter Quilter, que él mismo escribe junto a Tom Edge (“Lovesick”), pretende ser el vehículo de lucimiento para una actriz como Zellweger dando vida a todo un icono del espectáculo del siglo XX.

Unos años de declive artístico y personal, en los que Garland languidecía en actuaciones de club en club, concretamente en una última gran gira en el Londres de 1968 interpretando algunos de sus míticos temas, mientras tenía disputas con su manager, encuentros con los fans e iniciaba una relación con el que sería su último marido, Mickey Deans. Tras conseguir tres nominaciones consecutivas entre 2002 y 2004 (con estatuilla por “Cold Mountain”), Zellweger no ha vuelto a estar presente en los Oscar.

17º “The lighthouse” (Robert Eggers)

Robert Eggers sorprendió a propios y extraños con una de las películas de terror más estimulantes de los últimos tiempos como es “La bruja” (2016) y, tras barajarse que se encargaría del remake de “Nosferatu”, en verdad su segundo largometraje es bien distinto, se llama “The lighthouse” y es una de las cintas que supusieron una revelación cuando se proyectó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Una película que está rodada en 35 mm y en blanco y negro y que nos presenta a dos fareros solitarios (interpretados por Willem Dafoe y Robert Pattinson) en el Maine de finales del siglo XIX en su descenso a la locura.

A24 Films, que se encuentra en un maltrecho estado económico, intentará que la película siga teniendo recorrido en los festivales de otoño con el fin de conseguir posibilidad de candidaturas para sus actores, especialmente un Willem Dafoe que lleva dos candidaturas seguidas por “The Florida project” y “Van Gogh, a las puertas de la eternidad”.

18º “El jilguero” (John Crowley)

“El jilguero” es la nueva película de John Crowley después de que “Brooklyn” consiguiera la nominación a mejor película en 2015 apostando por un estilo clásico para una historia de romance, sacrificio y emigración. Ahora adopta un tono similar en una cinta basada en la novela de Donna Tart ganadora del premio Pulitzer en 2014 de la cual se hizo con los derechos Warner Bros. que produce y financia la película.

La cinta trata sobre un crío que sobrevive a los 13 años al atentado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en el que sí fallece su madre, pasando a tener la obra de Carel Fabritius que da título a la película una importancia capital en su vida y siendo acogido por una familia acomodada del Upper East Side neoyorquino vagando hasta que llega a Las Vegas coincidiendo con su padre e introduciéndose en el negocio de la falsificación de arte. La cinta está protagonizada por Ansel Elgort y Nicole Kidman.

19º “Motherless Brooklyn” (Edward Norton)

“Motherless Brooklyn” es el segundo trabajo como director del actor Edward Norton después de la comedia “Más que amigos” del año 2000. La cinta se encargará de cerrar la 57ª edición del Festival de Nueva York y hay mucha expectación por ver como se desenvuelve el actor en un ambiente de cine negro pero también con puntos de humor centrándose en la vistosa interpretación del propio Norton como Lionel Essrog, un solitario detective privado en el Nueva York de la década de los 50, afectado por el síndrome de Tourette, que se aventura a resolver junto a sus compañeros el asesinato de su mentor, jefe y único amigo, Frank Minna, casi como un padre para ellos en la agencia en la que trabajan.

Basada en la novela homónima de Jonathan Lethem y publicada en 1999, Norton (que también escribe el guión) consigue por fin llevar el proyecto a buen término después de tener en mente durante mucho tiempo su adaptación contando con el respaldo de Warner para ello. Un personaje heredero de los protagonistas del género del cine de la década de los 40 pero también de los tics y la expresividad de genios del cine mudo con el que Norton puede destacar con un papel importante dentro de su cada vez más espaciada carrera como actor.

20º “The laundromat” (Steven Soderbergh)

“The laundromat” es el thriller sobre el escándalo de “los papeles de Panamá” que dirige Steven Soderbergh y cuenta en su reparto con Meryl Streep, Gary Oldman y Antonio Banderas. La película, escrita por Scott Z. Burns, habitual de Soderbergh, está basada en el libro de Jake Bernstein sobre el escándalo de la firma de abogados panameña Mossack Fonseca ayudaba a personalidades de todo el mundo a mover dinero y evadir impuestos de forma ilegal a través de sociedades y fideicomisos. La película no tiene aún fecha de estreno.

“The laundromat” se verá en Venecia, Toronto y San Sebastián siendo su recepción en esos festivales crucial para ver si es una cinta al alza en este listado o queda rápidamente desaparecida.

21º “Dolor y gloria” (Pedro Almodóvar)

Las buenas críticas de “Dolor y gloria” en Cannes, el respeto que siempre genera la figura de Almodóvar y que Sony Pictures Classics se encargue de su distribución en USA (más su más que previsible designación como la representante de España al Oscar) coloca a la cinta del manchego en buena posición para, al menos, estar presente en la carrera. Es verdad que todo el mundo habla de las posibilidades de Banderas a la hora de estar nominado pero sí que es cierto que quizás su interpretación tenga más calado ante un público muy cinéfilo y conocedor de la figura de Almodóvar (ya que su alter-ego tiene muchos guiños con la vida y obra del director) que el más heterogéneo que forma la Academia. En todo caso, la cinta podría tener otras menciones como la de mejor guión original, categoría en la que Almodóvar ya ganó el premio por “Hable con ella”.

“Dolor y gloria” es el viaje introspectivo por las inseguridades, miedos y reflexiones de un artista en el momento cúspide de su carrera, el de un director de cine en su ocaso aquejado de problemas físicos, recuerdos del pasado y deseos truncados. Mucho tiene que ver esta cinta no sólo con la vida del propio Almodóvar sino en la mirada al espejo de las filias, fobias, pasiones, características y grandes momentos que ha dejado su cine. Un universo femenino siempre rico, aquí representando en la figura eterna de la madre, tan volcánica y sacrificada como fundamental, esas vecinas que definen ese eterno, los altibajos de la fama, los desenfrenos de otra época, la evaporación de amores como vagos recuerdos y, sobre todo, la soledad, la culpa y el paso del tiempo que fundamenta un Almodóvar maduro, sincero, sobrio, complejo emocionalmente y más consciente de que, en un determinado momento, uno es sabedor de que tiene más pasado que futuro.

22º “Los dos Papas” (Fernando Meirelles)

“Los dos Papas” es el nuevo trabajo como director del brasileño Fernando Meirelles que, así a priori, y contando con el guionista Anthony McCarten, nominado al Oscar por “La teoría del todo” y “El instante más oscuro”, ofrece una apuesta con ese empaque de producción británica bien hecha y efectiva que permite también lucimiento actoral. En este caso el de Jonathan Pryce y Anthony Hopkins dando vida a los dos Papas, el actual (Francisco I) y el emérito (Benedicto XVI).

Es uno de los títulos de Netflix para este año y explora la relación entre dos de los líderes más poderosos de la Iglesia Católica, que deben abordar sus propios pasados ​​y las demandas del mundo moderno para que la iglesia avance.

23º “Bombshell” (Jay Roach)

“La voz más alta” está de plena actualidad ofreciendo en formato de serie limitada el escándalo de FOX News representado por Roger Ailes y evidenciando el poder del monstruo como pieza clave en las redes de poder del estamento republicano que llevó a nombres como Reagan, Bush o Trump a la Casa Blanca. El escándalo y la lucha de estas mujeres frente al poder de este depredador sexual protegido dentro de uno de los grandes imperios de comunicación en Estados Unidos, y con infinitos vínculos de influencia en estamentos periodísticos, sociales, políticos y económicos, también se verá en “Bombshell”, cinta nacida justo en plena oleada del movimiento #MeToo dirigida por Jay Roach (“Los padres de ella”, “Trumbo”) y escrita por Charles Randolph (ganador del Oscar por “La gran apuesta” en 2016).

Atención a un gran tridente de mujeres formado por Nicole Kidman (Gretchen Carlson), Charlize Theron (Megyn Kelly) y Margot Robbie (la productora Kayla Pospisil) dispuestas a ser oídas y destapando las miserias de un Ailes interpretado en la cinta por John Lithgow.

24º “Knives out” (Rian Johnson)

Seguramente “Knives out” no será más que un enredo disfrutón pero quién sabe hasta dónde puede llegar la cinta de Rian Johnson que es un “Cluedo” contando con un gran reparto. La cinta contará un misterio en una mansión en la época contemporánea pero con el espíritu de las novelas policiacas de Agatha Christie.

Daniel Craig emula en cierta manera a Poirot como un investigador que tiene que averiguar qué miembro de la familia ha terminado con la vida del escritor encarnado por Christopher Plummer. En el reparto aparecen Chris Evans, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collette, Lakeith Stanfield, Katherine Langford y Jaeden Martell.

25º “Los vengadores: Endgame” (Anthony Russo y Joe Russo)

Después de los 4 Oscar de “Black Panther” y su nominación a mejor película parece que se perdió el miedo a que este tipo de películas puedan llegar al apartado de mejor película de los Oscar. ¿Cómo tratarán en cambio la Academia a la que ha sido la película más taquillera de todos los tiempos? Las películas de la saga de “Los vengadores” han llegado como mucho a conseguir nominación a mejores efectos visuales (sin ganarlo) así que los augurios no son los mejores pero cuesta creer que la Academia ponga en valor el gran apoteosis de la Fase III de Marvel como reconocimiento a Kevin Feige como hacedor de todo este imperio.

“Los vengadores: Endgame” es un carrusel de emociones y de escenas potentes que profundiza en las relaciones de sus personajes, más que en sus acciones, lo que permite darle personalidad tratando en verdad temas tan universales como el sacrificio, el remordimiento y la pérdida pone la guinda del pastel a la burbuja de superhéroes que hemos vivido. Con sus altibajos, y destacando la primera de “Iron Man” y “Los vengadores”, así como las cintas de “Capitán América” y “Guardianes de la galaxia”, aunque en un marchamo siempre notable lo que es de alabar manteniendo el nivel en 22 películas, es el cierre perfecto a lo visto hasta ahora. Dejarlo aquí sería arte, continuar como va a hacer Marvel con otros personajes y películas será mercadotecnia ya que se antoja imposible superar lo que ofrece esta película y la simbología que tiene como culmen de un proyecto conjunto a largo plazo.

26º “Nosotros” (Jordan Peele)

El cine necesita renovadores, gente que aporte nuevas ideas y desmonte géneros y en esa definición encaja perfectamente un Jordan Peele que va confirmándose a nivel de expectación y credo en lo que fue M. Night Shyamalan hace dos décadas, o el De Palma de hace tres, antes del bajón que vendría después en sus respectivas carreras. Esperemos que Jordan Peele se mantenga ya que confirma las buenas sensaciones de la inclasificable “Déjame salir”, una perfecta mezcla de comedia romántica, suspense, terror, ciencia ficción y crítica social y racial, con “Nosotros” en la que una vez más parte de una aparente calma y un viaje familiar idílico para desmontar por completo al espectador con una apuesta arriesgada, con muchas capas, y en las que el propio espectador puede encajar las piezas que propone Peele. El director y guionista se siente más libre y respaldado que con su ópera prima y depura estilo dando un paso más en nuestros fantasmas y miedos más íntimos conectando con el lado más oscuro del llamado “sueño americano”.

Una cinta que desmonta al espectador, garantiza la reflexión y ofrece una interpretación icónica del cine de terror reciente de la mano de Lupita Nyong´o, traumatizada en su infancia y jugando con el mito del doble tanto como víctima y verdugo, y la otra versión de nosotros mismos, la maléfica sustentada en la venganza de los oprimidos, incluso frente a los negros que han renunciado a su cultura adoptando el rol de la clásica familia burguesa blanca, representandos por su carácter primigenio, violento e indumentaria roja que recuerda a “The handmaid´s tale”, poniéndose frente al espejo de nuestros miedos y prejuicios frente al diferente.

27º “Jojo Rabbit” (Taika Waititi)

“Jojo Rabbit” está ambientada en la Alemania nazi con madre soltera de un niño que, tras sufrir un accidente de un campamento de las juventudes nazis, creará un amigo imaginario que responde al nombre de Adolf Hitler y que es una versión paródica del dictador. Cuando el niño y su “amigo” regresan a casa, descubrirán que su madre tiene escondida a una niña judía en el sótano. Taika Waititi dirige y es la versión paródica del dictador en una cinta que desde luego puede pasar del todo a la nada aunque hay cierto runrún de que la distribuidora está algo preocupado con la recepción de la película ante la piel tan fina en esta época de dictadura de la corrección política.

La cinta se estrenará el 18 de Octubre de 2019, misma fecha que la que Fox Searchlight utilizó con sus dos últimas ganadoras del Oscar (“12 años de esclavitud” y “Birdman”) y que, de momento, luce un aire muy parecido al cine de Wes Anderson.

28º “Clemency” (Chinonye Chukwu)

“Clemency” se llevó el Gran Premio del Jurado en una edición especialmente interesante con estupenda cosecha de cine independiente entre la que se ha destacado en el palmarés a una cinta dirigida y escrita por Chinonye Chukwu en la que Alfre Woodard (que ha recibido estupendas críticas por su trabajo) da vida a una funcionaria de prisiones que, a lo largo de varios años, se ha alejado cada vez más de su marido para centrarse en realizar ejecuciones en una prisión de máxima seguridad. Cuando empieza a generar una relación especial con uno de los presos que ingresan en su sector, Anthony Woods, Williams comienza a darse cuenta de que algo ha cambiado dentro de su ser.

Alfre Woodard consiguió la nominación al Oscar por “Los mejores años de mi vida” en 1984 en la categoría de actor de reparto y en esta cinta ha conseguido las mejores críticas de su carrera por lo que si la cinta se mueve bien los siguientes meses su interpretación podría ser una de las fijas aunque la crudeza del tema de la cinta podría apartarla en los reductos minoritarios.

29º “Rocketman” (Dexter Fletcher)

“Rocketman” llega a rebufo del éxito en taquilla y los Oscar de “Bohemian Rhapsody” con la que comparte a uno de los directores que metió mano a la película tras el despido de Bryan Singer. Todo un pelotazo para el espectador con un biopic tan enérgico y emocionante como la música de Elton John que no teme en abrazar los lados más oscuros y polémicos de los altibajos y personalidad del artista con un prodigioso Taron Egerton. Ahora es el turno de un biopic tan modélico, convencional y efectivo que, sin poder evitar comparaciones con la ya hipercitada a la hora de hablar de este título, “Bohemian Rhapsody”, maneja mejor el “in crescendo” emocional que tenía aquella y se nos presenta a un Elton John de infancia complicada (nacido como Reginald Kenneth Dwight) que en realidad lo que muestra es que lo que más ansía y menos ha tenido desde esos años es lo que ha movido el tema de sus canciones, el amor. Y es que la cinta tiene como gran acierto en retratar toda la personalidad de un artista complejo, inseguro, excéntrico e hiperbólico que tocó fondo rompiendo relaciones con sus mejores colaboradores y siendo un adicto al alcohol, las drogas y el sexo.

Taron Egerton merece todos los calificativos posibles para un gran ejercicio de mimetismo y carisma arrollador que hace saltar la banca por el empeño y esfuerzo con el que ha abordado este trabajo y por el que todos los temas sean interpretados por él mismo siendo respaldado por un buen reparto pero da la sensación de que, siendo mejor que “Bohemian Rhapsody”, no ha logrado transcender a la categoría de fenómeno y el hecho de que se estrenara antes del verano la ha dejado algo olvidada.

30º “Súper empollonas” (Olivia Wilde)

“Súper empollonas” es una comedia adolescente que logra convertirse en generacional por todo lo que tiene de energía frenética y la química de sus dos protagonistas sobre su mensaje a la hora de hablar del hedonismo y del sacrificio que tiene que equilibrar todos joven en sus años de estudio y más cuando toca echar la vista atrás en la víspera de la graduación. Una película ágil en sus diálogos, extravagante en algunas situaciones, pero con mucho encanto y con ese tono mordaz que le lleva a ser sucesora de cintas como “Todo en un día”, “Juno”, “Supersalidos” o “Lady Bird”.

Humor fresco y atrevido para una de las películas revelación de la cartelera veraniega que ha puesto en el mapa como directora a la actriz Olivia Wilde. ¿Quizás veamos sus logros recompensado con una nominación en la categoría de guión original?

Nacho Gonzalo

¿Compartes?:
  • email
  • PDF
  • Print
  • RSS
  • Meneame
  • del.icio.us
  • Facebook
  • Google Bookmarks
  • Twitter
  • FriendFeed
  • LinkedIn

Comentarios

Ann - 28.08.2019 a las 23:00

para su ceremonia la fecha del 9 de Febrero lo que ha provocado que el resto de galas

  • Nombre
  • Correo Electronico
  • Comentario